Arts plastiques

Le titre de cet ouvrage est emprunté à Toward a New Abstraction, catalogue d'une exposition organisée par Ben Heller en mai-septembre 1963, au Jewish Museum de New York. Il regroupe les oeuvres d'une cinquantaine d'artistes, parmi lesquels Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Frank Stella, Paul Reed ou encore Robert Ryman. La ''Nouvelle Abstraction'' doit se comprendre non comme un mouvement, mais une sorte de rencontre dans le temps des tentatives structurelles qui s'aimantent plus qu'elles ne se laissent regrouper. Elle croise d'autres élans et d'autres courants, notamment le néo-dadaïsme, les débuts de l'art minimal et le ''process art''. Il n'est rien d'hermétique dans cet art, art épanoui, joyeux. Si la sensualité est absente au premier abord, c'est la joie vive des couleurs pures qui invite à ce que l'oeuvre s'affirme dans l'espace. La structure est couleur et la couleur jaillit de la structure.

2 volumes.

L'auteur vu par l'éditeur :
Claudine Humblet est l'auteur d'une thèse sur l'influence du Constructivisme et de « De Stijl » sur l'évolution du Bauhaus. Elle est membre de l'Association internationale des critiques d'art.

Cette grande anthologie d'art moderne et contemporain, unique en son genre par son caractère exhaustif et par sa qualité, traverse plus d'un siècle de peinture et de sculpture, de design et d'architecture, de photographie et de livres d'artistes.

Elle est strictement agencée dans un ordre chronologique, afin d'offrir au lecteur une perspective qui lui permette de visualiser les oeuvres en comparant différentes sensibilités et intuitions de la même année, mais aussi au fil du temps. Ainsi, il est possible de parcourir le processus d'expérimentation constant propre à l'expression artistique, mais aussi d'observer la variété des manières avec lesquelles l'art a affronté notre époque, sous forme de récit, de commentaire, de protestation, ou encore en proposant une vision alternative ou de nouvelles valeurs.

Un profil de l'art moderne et contemporain à la lumière de la collection la plus prestigieuse et célèbre du monde, celle du Museum of Modern Art de New York.

Le long de ce parcours représenté par 200 artistes et plus de 240 oeuvres, nous rencontrons des peintres comme Klimt, Schiele, Cézanne, Matisse, Picasso, Klee, Kahlo, Rauschenberg, Oldenburg, Lichtenstein, Warhol, Rothko, Hopper, des sculpteurs comme Rodin, Boccioni, Brancusi, Giacometti, des photographes comme Adams, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Lange, des architectes et des designers comme Otto Wagner, Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Kahn, Castiglioni, Aalto, Venturi.

Les reproductions de haute qualité sont rigoureusement commentées par les responsables des sections thématiques concernées du MoMA.

Which images are made manifest across an artist’s practice and which are the ones that disappear? How do objects—whether seen or unseen—and the knowledge they possess traverse across place and time to avow their resistance? These are amongst the questions asked by artist Nour Bishouty in her artist’s book 1—130, a project that draws upon her ongoing research into the works of her father, Ghassan Bishouty (b. 1941 Palestine – d. 2004, Jordan). In 1—130, she borrows from methods of indexing and object classification to act as figurative codes for identification and cross-reference within the contexts of value and legacy. All the while employing paratactic strategies of text and image to understand the life and work of an artist faced with the discontinuity of deracination.

1—130 constitutes reflexive encounters with a series of 130 selected paintings and sculptures made circa 1965-2004 in Lebanon and Jordan, and concludes with an afterword by editor and curator Jacob Korczynski.

1—130 is designed by Laura Pappa & Lotte Lara Schröder and co-published by Art Metropole & Motto Books.

Nour Bishouty is a visual artist working in a range of media including digital images, works on paper, sculpture, video, and writing. Her multidisciplinary practice draws upon autobiographical and material narratives to explore how dominant notions of value are articulated and exchanged, often focusing on the construction of popular identity in relation to histories of place. Nour was a fellow at the 2014/15 Home Workspace Program at Ashkal Alwan in Beirut. Her work has been exhibited in venues such as Darat Al Funun, Amman; Access Gallery, Vancouver; the Beirut Art Centre, the Helen Day Art Centre, Vermont; Casa Arabe, Madrid and Cordoba; and the Mosaic Rooms, London.

Jacob Korczynski is an independent curator and the recent recipient of a curatorial research fellowship from The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. He has curated projects for the Stedelijk Museum, Cooper Cole, Western Front, and the Badischer Kunstverein and his writing has been published by art-agenda, Camera Austria, Flash Art, and BOMB. With curatorial projects taking the form of exhibitions, screenings, and publications he is also the editor of I See/La Camera: I (If I Can't Dance I Don't Want to Be Part of Your Revolution), Andrew James Paterson's Collection/Correction (Kunstverein Toronto & Mousse Publishing), Jimmy Robert's Revue (Leopold Hoesch Museum), and Nour Bishouty's 1-130 (Art Metropole & Motto Books).

Between 28 April 2020 and 3 September 2021, Giulia Casartelli painted and sent 111 watercolour postcards to as many selected recipients. Each postcard reproduced a fragment of the short story “Clementina Butterfingers” (Edizioni postali tigre, 2022), written by the artist from 2014 to 2020. On 26 September 2021, Giulia started a trip to visit the locations where the postcards are now displayed. She photographed (or has asked the addressees to photograph) these intimate spaces and reproduced them in watercolour. “111 stanze” is an archive of this journey.

Faced with waning state support, declining revenue, and forced entrepreneurialism, museums have become a threatened public space. Simultaneously, they have assumed the role of institutional arbiter in issues of social justice and accountability. The canon of Institutional Critique has responded to the social embeddedness of art institutions by looking at the inner workings of such organizations. In After Institutions, Karen Archey expands the definition of Institutional Critique to develop a broader understanding of contemporary art’s sociopolitical entanglements, looking beyond what cultural institutions were to what they are and what they might become. Karen Archey is Curator of Contemporary Art at the Stedelijk Museum Amsterdam. She is a 2015 Creative Capital | Warhol Foundation Arts Writers Grant recipient for short-form writing. Since joining the Stedelijk Museum in April 2017, Archey has organized solo exhibitions by artists Rineke Dijkstra, Catherine Christer Hennix, Steffani Jemison, Metahaven, Jeff Preiss, Charlotte Prodger, and Hito Steyerl. She has written numerous catalogue essays and is a contributor to several art publications, including Artforum and Frieze.

"Against the Day" delivers anew an essay on images and how they function in the spreading of messages, whether it is about the code of the Jesuit order or the reclaiming of fantasy by Disney. Tuymans' series, in the way it encircles the problematical and brings to the surface that which lies just below - the forgotten or underlying aspects - has the character of a modern sort of 'history painting', capturing in an image the impact and scope of important historical changes. In this series Tuymans deals with the most immediate horizon on which images and our perceptions thereof are situated, those of the perfect simulations on luminous screens.

Monographie de référence, avec des introductions de Pierre Peissi et Carola Giedion-Welcker.

Anton Abramovitch Pevsner 1884-1962, artiste russe, frère de Naum Gabo, sculpteur, peintre, sculpture, peinture, constructiviste russe, constructivisme, URSS, membre fondateur du mouvement Abstraction-Création, art moderne, avant garde, art abstrait...

Nombreuses illustrations en couleurs et en noir & blanc

Relié sous jaquette

Contributors:
AAPK – Suyoung Ko, Yeon Joo Oh, Soonam Lee, Haewook Jeong

Guest Contributors:
Johan Bettum, Peter Trummer, Michael Young, Damjan Jovanovic

The book, Architecture as Fabulated Reality, marks the culmination of AAPK’s four experimental architectural projects, which employed virtual reality technology (VR) as the primary medium. The four projects explore a new emerging sense of spatiality, fabulating and questioning the notion of reality based upon shared backgrounds and attitudes to contemporary architectural discourse.

To enhance ideas advanced by AAPK, the book invites four guest contributors from the architectural academic field in forms of critical essays or an interview. They reveal their collective interest in the power of the image and in forms of reality, in medium specificity and digital technology, and in presentation and representation along disciplinary lines. The subject of the book becomes clearer by curating and connecting each text, and meanwhile, makes it possible to reflect upon the situation that architecture is facing in the reality crisis caused by today’s digital technology or image culture.

Throughout this volume, AAPK maintains one key premise: to regard the architectural discipline as a set of fabulated and fictitious ideas. It is based on the belief that the ‘virtual’ is not synonymous with the fake, but is another version of the ‘real’. Here, AAPK is committed to the exploration of autonomous aesthetic-spatial realms that can be accessed from within the discipline, regardless of the buildings or other physical forms onto which the discipline was once projected (to be real) in the past.

Argh! is an onomatopoeia which references a bodily expression, a state of mind described through a sound rather than words. It hints at fatigue, exhaustion but also a reaction and a release of the body towards a situation or an environment. Argh! introduces the recurring presence of the body in Davide Savorani’s series of private notebooks through drawings. They are an expressive necessity, but also an artistic tool of enquiry, a source of ideas, space for personal confessions and emotions.
This publication is an intense selection of drawings the artist made in the last 15 years. In doing this, we have paid attention to the crossing of visual scripts for performative actions, written materials describing personal occurrences or delving into theoretical obsessions. Rather than categorise or index the drawings, the graphic design as well as the text commissioned to and composed by Allison Grimaldi Donahue, embrace a lexicon of fragments, of chance overlapping and of close memories, triggered, yet not contained, by the drawings.

Argh! Davide Savorani
Author: Frida Carazzato, Caterina Riva
Publisher: bruno
Language: English, Italian
Pages: 76
Size: 21 x 28.5 cm
Weight: 330 g
Binding: Softcover
ISBN: 9788899058456

Argh! è un’onomatopea che rimanda a una manifestazione del corpo, a uno stato d’animo, cedendo a un suono la possibilità di esprimerlo. Allude alla stanchezza, all’esaurimento, ma anche a una reazione e a una liberazione del corpo nei confronti di una situazione o di un ambiente. Argh! riporta la presenza ricorrente del corpo nei disegni di Davide Savorani raccolti in diari personali. Il disegno per Davide Savorani è diventato una necessità espressiva, ma anche uno strumento artistico di indagine, una fonte di idee a cui attingere, uno spazio per confessioni private ed emozioni.
La pubblicazione è frutto di un’intensa selezione di disegni realizzati negli ultimi 15 anni. Nel concepirla, si è prestata attenzione alla sovrapposizione di script visivi pensati per azioni performative assieme a materiali scritti che descrivono avvenimenti personali o che approfondiscono ossessioni teoriche. Invece di categorizzare o indicizzare il materiale delle pagine dei taccuini, la coreografia grafica scelta così come le nuove parole scritte da Allison Grimaldi Donahue, abbracciano un lessico di frammenti, di sovrapposizioni casuali e di ricordi vicini, innescati, ma non contenuti, nei disegni stessi.

Hailed by The New York Times as the ''Olympics of the Art World,'' the Art Basel fair looks back on a long and rich tradition, and is also considered to be the largest and most important art fair in the world. It offers a comprehensive overview of modern and contemporary art, and, at the same time, continues to be the annual meeting point of the international art world, attracting artists, gallery owners, collectors, curators, critics, and art lovers from all over the globe. This catalogue features nearly 600 color illustrations that review the selection presented at Art 36 Basel, provides information on the event, and is an indispensable reference to the most recent developments in the art world.

Art Basel, the international art show, welcomes art lovers from all over the world to art city Basel, in the heart of Europe.

The Art Basel fair looks back on a long and rich tradition, and is also the largest and most important art fair in the world. It offers a comprehensive overview of modern and contemporary art, and, at the same time, has been the annual meeting-point of the international art world, attracting artists, gallery owners, collectors, curators, critics, and art lovers from all over the globe. The catalogue features more than 500 color illustrations that review the selection presented at Art 36 Basel; thus it gives the most comprehensive account of what is available on the international art market at the beginning of the twenty-first century. The catalogue provides information on this important annual art event well in advance, and has become a popular collector's item. It lists 260 of the leading galleries in Europe, the United States, Asia, and Australia, and more than one thousand artists represented by them. Individual entries are easy to find by means of alphabetically arranged indexes of both exhibitors and artists. 

Ce livre naît d'un lieu créé en 2012 dans la ville de Mexico, par deux Français architectes et artistes, Delphine Passot et Arnaud Zein El Din.

C'est une ancienne maison dans le centre de la ville, dans une zone à l'abandon et où la gentrification tarde à venir.

Au milieu des vendeurs de journaux et des réparateurs de matériel électrique, au numéro 123 de la rue Artículo se trouve ce lieu qui mélange restaurant, galerie et magasin d'artisanat mexicain, avec l'intention de nourrir le corps et l'esprit. Depuis 2013, il a accueilli au total 84 expositions, tous les mois sans interruption, et diffusé des artistes mexicains ou habitants au Mexique.

Aujourd'hui durement touché par la pandémie et courant le risque de disparaître, il perdure malgré tout mais en s'adaptant et en trouvant d'autres formes de fonctionnement.

La vente de ce livre est destinée à pouvoir continuer d'exister et compile une partie des expositions qui ont eu lieu dans la galerie, sous forme d'une relecture non chronologique, au moyen de duos d'expositions.

TEXTES EN ESPAGNOL

Histoire d’un (vrai) faux
Ed. Salon du Salon

244 pages - Format 148 x 204 mm
Direction éditoriale : Philippe Munda
Conception graphique : Léna Araguas
Texte : Français
ISBN 978-2-9552776-0-7

Avec le soutien à l’édition du Cnap, Centre national des arts plastiques, la Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur, et Ars Ultima - Stein & Guillot Art Foundation.

À propos du livre : 

Livre-enquête relevant autant du collage que de l’expérimentation à tâtons, cet ouvrage croise deux histoires et deux destins peu communs : celui d’une édition pirate du Traité du style d’Aragon, publié initialement en 1928 chez Gallimard et épuisé depuis longtemps lorsque Gérard Bérreby (éditions Allia) relance à la fin des années 1970 un tirage
illégal de ce texte, entraînant un procés pour contrefaçon et violation de la propriété intellectuelle; de l’autre côté, des archives relatives aux duplications et reproductions de la Fontaine de Duchamp, récoltées et compilées dans les Fountain Archives par l’artiste Saâdane Afif depuis
2008. En empruntant de la documentation, reproduite et juxtaposée, relative à ces deux affaires autour de la notion d’art, de légitimité / réappropriation, de propriété intellectuelle et de reproduction / falsification, l’auteur créé ainsi un meta-livre tout à la fois œuvre à part entière; commentaire érudit et ironique et nouveau degré de lecture autour de ces thèmes. Réalisé par le plasticien Philippe Munda, ce livre
parodie et emprunte malicieusement la maquette des publication NRF.

Résumé et analyse du livre par : Librairie et Galerie Michel Descours, Lyon, France.
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Les carnets de la création par Aude Lavigne (France Culture) 
Le vrai du faux, les facéties de Philippe Munda.
www.franceculture.fr/emissions/les-carnets-de-la-creation/le-vrai-du-faux-les-faceties-de-philippemunda
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Ce livre composé de documents relatifs au livre Traité du style, Louis Aragon, 1928, ainsi qu’au ready-made Fountain, Marcel Duchamp 1917, relate et croise deux histoires qui touchent aux champs littéraires et artistiques du début du 20.me siècle.

En 1979, Gérard Berréby (directeur des éditions Allia) fait reproduire clandestinement le livre Traité du style, Louis Aragon, 1928.

Depuis 2008, Saâdane Afif arrache et collectionne mille et une pages relatives à la reproduction de Fountain, Marcel Duchamp 1917 (The fountain archives).

Le livre Traité du style de Louis Aragon débute par ces mots

Destinée de La Fontaine.
/.../
Ne forçons pas notre talent,
Nous ne FAIRIONS rien avec grâce ...

incipit qui pour l’auteur du livre Histoire d’un (vrai) faux, 2018 induit ces rapprochements et le choix de l’extraction des phrases de Louis Aragon dans Traité du style contenant le verbe FAIRE.
Ces phrases sont imprimées dans Histoire d’un (vrai) faux aux paginations d’origine des éditions françaises de Traité du style et forment ainsi la structure de ce livre d’artiste.
Sont enfin reproduites les pages d’un livre imaginaire, Contes de la chemise rouge, Antoine Célèbre (contenues dans La mise à mort, Louis Aragon, 1965) révélé et mise en volume par les éditions Lorem Ipsum qui en 2017 ont convoqué Philippe Munda auteur d’Histoire d’un (vrai) faux pour en dicter la maquette reprenant les codes simplifiés d’un livre de la collection Folio, Gallimard.

For the first time, this publication brings together the Mosaic works by the British artist Stephen Willats, which were created in Great Britain and Finland in the 1990s. In these works, Willats uses the medium of the book to enter into an exchange with people and to create a space in neighborhoods, museums, and bookstores where social bonds can be established. It is a collaborative process through which Willats redefines the web of relationships between artist, artwork, audience and society; a process of instituting in which the artwork becomes its own institution.

With contributions by Jamie Allen, Bernhard Garnicnig, Elsa Himmer, Lucie Kolb and Stephen Willats.

Inspired by Abstract Expressionism, avant-garde art has emerged in the second half of the 20th century manifested in such unorthodox artforms as Pop Art, Minimalism, and Conceptualism. The Wexner Center in Columbus, Ohio, a showplace for the contemporary arts, has marked its first year with this hefty, amply illustrated anthology. Chronologically divided into three eras that correspond to three Wexner Center exhibitions, the 16 scholarly essays in the first two sections--written by notable art critics and historians involved in the movement--examine such issues as the synthesis of the arts, the cultural shift from Europe to America, and influences of popular culture in relation to each decade's sociopolitical issues. The third section contains several interviews with artists discussing their creative processes. Recommended for academic and large public libraries.

The Wexner Center's inaugural publication, Breakthroughs is an extraordinary survey of avant-garde art. This substantial, thoroughly illustrated volume details the activities of avant-garde artists, musicians, performing artists, and film and video makers-from Laurie Anderson, Joseph Beuys, and John Cage to Yvonne Rainer, Frank Stella, and Andy Warhol.

Authors: Amina Lawal Agoro, Dulcie Abrahams Altass, Yemisi Aribisala, Eva Barois De Caevel, Mamadou Diallo, Carine Doumit, Ayesha Hameed, Ava Hess, Sandrine Honliasso, Marinette Jeannerod, Koyo Kouoh, Ariane Leblanc, Dominique Malaquais, Lionel Manga, Zen Marie, Jenny Mbaye, Thierno Niang, Julie Peghini, Marie Helene Pereira, Esther Poppe, farid rakun, Frida Robles Ponce, Sumesh Manoj Sharma, Marion Louisgrand Sylla, Maya Tounta, Margrethe Troensegaard, Ibrahima Wane, Peter Webb, Syham Weigant

RAW Académie was developed in Dakar to create a space of experimental teaching and collaboration, of deconstruction and exposure, of knowledge and nourishment. Koyo Kouoh, founder of RAW Material Company, wished for curatorial inquiry and critical writing to join artistic thinking at this site of international encounters. During these two-month long sessions that take place twice a year, young artists and curators—the Académie fellows—come from all over the world to be accompanied by faculty members with whom they exchange and experiment around particular discursive practices or thematic foci. The commitment to create a community that did not previously exist has led to an ever expanding RAW Académie family of Pan-African and global orientation. This thriving and stimulating meeting ground of pedagogy and art has cultivated the emergence of many provocations, reflections and new possibilities, some of which are shared in Breathing Out of School—a volume of diverse texts that slowly constructs an invitation to ruminate upon what it means to share the table of curiosity and creativity with others, as well as think about what feeds our own earnest dreams.

La RAW Académie a été créée à Dakar afin de proposer un espace d’enseignement expérimental et de collaboration ; de déconstruction et d’exposition ; de connaissance et de substance. Koyo Kouoh, fondatrice de RAW Material Company, a souhaité que la recherche curatoriale et l’écriture critique se joignent à la pensée artistique sur ce lieu de rencontres internationales. Lors de ces sessions d’une durée de deux mois qui ont lieu deux fois par an, de jeunes artistes et curateur·rice·s — les fellows de l’Académie — arrivent du monde entier pour y être accompagné·e·s par le corps professoral avec lequel elles·ils échangent et expérimentent autour de pratiques discursives ou de thématiques particulières. La volonté de constituer une communauté qui n’existait pas auparavant a permis à la RAW Académie d’élargir sans cesse sa famille panafricaine et mondiale. Ce lieu de rencontre florissant et stimulant de la pédagogie et de l'art a cultivé l’emergence de nombreuses provocations, réflexions et possibilités nouvelles, dont certaines sont partagées dans Respirer hors école — un volume de textes diversifiés qui forme peu à peu une invitation à méditer sur ce que signifie de partager la table de la curiosité et de la créativité avec d’autres, ainsi qu’à réfléchir à ce qui nourrit nos rêves ardents.

Naomi Del Vecchio poursuit une recherche artistique autour du dessin, de la gravure et de l'écriture. Ces pratiques, menées en parallèle, se répondent, en explorant les liens entre texte et dessin, mots et lieux, dans l'espace du livre comme dans celui de l'installation. Elle assemble et associe les observations, les définitions, les histoires, les réflexions, les points de vue scientifiques ou personnels, en jouant sur les frontières, les basculements et les dérapages.

"Cailloux et autres pierres" parle du temps, celui qui passe et qui nous dépasse, d'apparitions et de disparitions, de sommets et fonds sous-marins, d'êtres devenus pierre ou faisant la poussière, de coups de marteau et de bijouterie, de géants et de nains, de chaleur et de glace...

One hundred kilometers northwest of the Yucatán peninsula there should be an island that did not exist. Isla Bermeja was first mentioned in 1536, when Alonso Chaves referred to it as "a small and maroon island in the Yucatan borders". Since then, the island has appeared in most of the Gulf of Mexico maps. In 1775 doubts about its existence began. But it was still shown on the maps. In 2000, Mexico and the United States agreed with vigorous disagreements on the definition of maritime borders. The main problem was Hoyos de Dona in the Gulf of Mexico, an area rich in natural gas and oil. The existence of the island gave Mexico 80% of the area's rights of use. But the island has not appeared. They thought of extravagant theories: the island sank due to a seaquake, disappeared due to global warming, was blown up by the CIA ... In 2008 the Senado de la República Mexicana asked the government to organize an expedition to check the existence of the island. On March 20, 2009, a group of researchers from the Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) set out to find the island that would bring millions of euros to Mexico. After a week they found nothing on the surface or in the depths. According to INEGI and the director of the UNAM Institute of Geophysics, Jai me Urrutia, the idea of ??this island is based on a cartographic error that has been copied into the following maps and has not been checked. Despite these surveys, the Mexican government does not appear to be convinced. The issue is too sensitive for foreign policy to answer immediately. Nobody knows if this ever existed in the Gulf of Mexico. In May 2018, we set off to coordinate 22 ° 33 'N 91 ° 22' E with a music band from the nearby city of Merida to play a hymn that a local composer wrote in honor of the island. The musicians played with nausea and vomiting on the ship, which anchored in the waters where the island could have been. These waters flow and are indefinite, while the sea borders are imaginary, well-defined and rigid lines.

Adhérer au travail de Clémentine Carsberg c'est du gâteau !
Un quatre-quarts fait maison dégusté sur un coin de table, accompagné d'un jus frais ou chaud suivant la saison et d'une belle attention teintée d'humour.

Cet ouvrage permet de visiter l'entre-deux et l'affinage dans l'art de Clémentine Carsberg. Il fait écho aux vestiges, intimes et monumentaux, élaborés et questionnés dans son travail.
L'exploration se termine en abordant le rivage des vertiges dans la folie baroque dédiée à son histoire.
Entrer en matière avec les oeuvres, c'est vivre pleinement l'instant sans se préoccuper de l'effondrement possible. Son travail y veille. Le monument est rempart du "(...) mouvement interne où je n'ai pas d'écluse..." (Guillevic).
Se balader dans l'univers de Clémentine, c'est être accueilli léger, de temps à autre grave.

Que l'artiste soit remerciée de partager un art si contemporain.
Vincent Hanrot

Clémentine Carsberg vit et travaille à Marseille. Titulaire du Diplôme national supérieur d?expression plastique (DNSEP) délivré par l?École supérieure d?art et de design Marseille-Méditerranée, elle réalise des installations in situ en lien avec l?architecture ainsi que des collages et montages utilisant le papier et l?impression.

Ces dernières années, ses oeuvres ont été exposées dans les lieux suivants, en région PACA :

à Marseille : Galerie HO (2017), Festival des Arts éphémères, Parc Maison Blanche (2016), OÙ, lieu d?exposition pour l?art actuel et galerie du Tableau (2006) ; Art-cade Galerie des grands bains douches (2008), ateliers de Lorette (2006), La GAD Galerie Arnaud Deschin (2012), Espace GT (2014) ; à Aix-en-Provence : Le Pavillon de Vendôme (2017), 3 bis f (résidence de recherche et de création (2015) ; à Avignon avec l?association Parcours de l?art (2008).

Clémentine Carsberg a également exposé à Vaison-la-Romaine : Supervues ? Hôtel Burrhus (2009) ; à Toulouse avec l?association Entrez sans frapper (2011), à Paris, à Dublin - Irlande (2012), à Lisbonne - Portugal (2013), à Turin et Rivarolo - Italie (2014), au Musée d?art moderne et contemporain d?Alger ? Algérie (2015), au Colysée de Lambersart, 59 (2017).

En 2017 son travail a fait l?objet d?une publication « CAT. C. CAR. Catalogue Clémentine Carsberg, de vestiges en vertiges » Édition monographique - Bik&Book Editions.

Depuis 2015, elle participe à des ateliers collectifs de création, invitée par le FRAC PACA, le CAUE 13, l?association Ethnoméditerranée, l?association BAITA (Addiction Méditerranée), l?Hôpital Montperrin, l?ESPE d?Aix et la compagnie ERD?O.

Depuis plus de quarante ans, l'oeuvre de Jean-Jacques Ceccarelli étend les définitions et les techniques inhérentes à la pratique du dessin. Pour cet artiste foisonnant et volubile, le dessin n'est pas un outil de vérification ni un terrain d'essai. Il n'est pas une note ni une esquisse. Il constitue le corps et le centre de l'oeuvre. Il est une pensée et une activité globales dans la mesure où il entraîne des genres auxquels il est habituellement inféodé : peintures, objets, installations. Alors qu'entend-on par dessin qui serait si spécifique ? Ce ne sont pas les matériaux qui le qualifient. Ce serait plutôt une façon de donner à lire les formes plutôt que de les incarner, de constituer un récit de leurs agencements et de leurs métamorphoses plutôt que de les imposer. Le dessin est un récit au long cours, une histoire de coureur de fond. C'est surtout un fil maintenu. Ce livre déroule une continuité. Il dégage, à travers les périodes issues des différents ateliers, non pas un raisonnement mais un enchaînement de déclics. Il suit la façon dont le visible se tresse au lisible. Enfin, il rend compte, série après série, d'une extension, d'une façon de pousser sur les limites qui ferait de l'ensemble des dessins de Ceccarelli une immense bande passante transformant l'atelier en un paysage peuplé de figures gigognes, de migrations de formes qui s'abîment et se régénèrent. Frédéric Valabrègue.

L'oeuvre plastique de Cécile Dauchez investigue les changements d'état de la matière pour saisir l'instant de son nouvel aspect, et manifester les informations qu'il nous livre alors. Ce qui survient, dans la manipulation des matériaux, les transforme en images, et donne lieu à une expérience de ''formes qui ne ressemblent qu'à elles-mêmes''. La multiplicité des matériaux utilisés et présentés dans cette monographie, concourt à une impression d'ensemble très simple ; celle d'un état d'enchantement.
Le texte de l'artiste Maxime Thieffine propose une lecture inspirée, où les traces révélées sur les matériaux fonctionnent comme des écrans. Cette lecture s'éclaire par la convocation du travail d'artistes tels que Cheyney Thompson, Sean Snyder, Paul Thek ou Richard Serra. Cécile Dauchez se livre ensuite, lors de son entretien avec Dorothée Dupuis, à une analyse intime des mobiles et des destinées de sa pratique d'artiste.
Leur dialogue met ainsi en perspective l'expérience renouvelée de l'artiste lors de son travail d'atelier.

Charlotte Lapalus - Nuages

Couverture toilée rigide, reliure Layflat dos apparent.
Format : 21.2 x 29.2 cm
42 pages, 15 photographies
Publication date : décembre 2023
Imprimé à Paris sur les presses de Picture Pefect
Amers Editions, 2023
ISBN 978-2-492820-04-5
Première édition tirée à 350 exemplaires

“1802, Lombard Street, Londres : un certain Luke Howard (1772 - 1864) pharmacien anglais devenu météorologiste de renom, propose une nouvelle classification des nuages. Nommant trois principales catégories — cumulus, stratus, et cirrus — ainsi qu’une série d’états et de modifications intermédiaires, tels le cirrostratus ou le stratocumulus, Howard met l’accent sur la mutabilité intrinsèque des nuages, point non négligeable – et mission fondamentalement poétique - qui faisait défaut à la première tentative de classification effectuée plus tôt par le naturaliste français Jean-Baptsite Lamark (1744 - 1829).

Dès lors l’histoire désignera Howard comme « l’inventeur des nuages », la science adoptera son système et les artistes s’en inspireront. Mers de brumes chez Caspar David Friedrich, ciels en furie chez William Turner ou masses pommelées chez Eugène Boudin : pour le critique britannique John Ruskin, le XIXème est un siècle "au service des nuages"[1].  Parmi ces peintres attentifs aux variations atmosphériques, John Constable (1776-1837), installé en haut de la colline de Hampstead dans le nord de Londres, va particulièrement se consacrer à l’étude méticuleuse des nuages. Chez Constable, la forme ou les couleurs de ces amas de vapeur d’eau - et à travers elles, les phénomènes scientifiques à l’origine de leur formation, tout comme le temps qui va s’en suivre – deviennent de véritables objets d’étude.

À la fin du XIXème, en 1873, trois météorologues appartenant à l'Organisation météorologique internationale — Hugo Hildebrand Hildebrandsson, Albert Riggenbach et Léon Teisserenc de Bort — ont pour mission d'établir le premier Atlas international des nuages. Ils y travaillent pendant vingt-trois ans et une première version est finalement publiée en 1896. Outre des peintures et des dessins, on y découvre pour la première fois des photographies de nuages en couleur, un procédé compliqué et dispendieux à l'époque. L’ouvrage, toujours d’actualité d’un point de vue scientifique, peut aussi se voir comme un ouvrage d’art et témoigne de l’alliance entre science et photographie, tout comme des potentialités esthétiques infinies des nuages.

Ainsi avons-nous pensé, à la lueur de ces études picturales et météorologiques, l’ouvrage « Nuages » de Charlotte Lapalus qui, depuis l’Europe, le Canada ou le Sahara, enregistre continuellement des états du ciel remarquables.
Ses cadrages, dépourvus de tout référent terrestre, rappellent ceux des Cloud Studies de Constable : la mer au-dessus de laquelle se forment les nuages, les montagnes dans lesquelles ils s’accrochent, ou encore les plaines qui s’assombrissent sous leur passage, disparaissent de ses photographies. L’attention est définitivement portée au motif et à la lumière : là, les filaments opalins d'un cirrus, ici les boucles sourdes et obscures d’un cumulonimbus, ou encore les masses agitées des nimbostratus qui lentement s’agrègent puis soudain s’éclairent de l'intérieur. Dans une déambulation chromatique — qui traduit leur caractère évolutif — les nuages passent du blanc au gris en virant aux roses, aux jaunes ou aux violets, selon leur altitude, le bleu du ciel, ou encore la position du soleil par rapport à l’horizon… Parfois, des éclairements particuliers comme les incendies ou les lumières des grandes villes peuvent venir interférer avec leurs couleurs naturelles.

Alors interviennent d’autres questions, à l’heure de l’anthropocène. Trainées de condensation des avions à réaction, smogs de pollution urbaine, panaches d’usines ou champignons atomiques ont fait leur entrée, depuis le début de la Révolution Industrielle, dans le paysage atmosphérique. On les appelle nuages anthropogéniques, et tous ont pour point commun d’être artificiellement créés par les activités humaines.

Dans les années 1950 par ailleurs, les premiers tests d’ensemencement des nuages — et avec eux la manipulation du climat — ont commencé à soulever de nouvelles préoccupations sanitaires, écologiques et géopolitiques, avec à la clé l’établissement éventuel d’un statut juridique des nuages, eux qui semblaient ne pas connaitre les frontières et qui, malgré tout, se retrouvent en proie à des guerres météorologiques. Car si les effets de leur comportement et de leurs métamorphoses futures jouent un rôle déterminant dans le dérèglement climatique, ils constituent pourtant l’une des principales sources d’incertitudes auxquelles se heurtent les chercheurs et les modélisateurs.

Dans ce contexte nébuleux, les photographies de Charlotte Lapalus apparaissent comme une injonction à cultiver notre sens de l’observation, à renforcer l’attention et l’intérêt que nous portons à ces géants cotonneux. Leurs masses ici imposantes, leurs tons sourds ou incandescents hurlent le mystère, l’urgence et la poésie, triade avec laquelle il s’agit de composer lorsque l’on évoque ces ovnis scientifiques qui inlassablement se forment à la surface de l’eau et s’élèvent dans la troposphère.”

[1] John Ruskin, Modern Painters (1840)

En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25. 000 mètres carrés de toile recyclable et 3. 000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet.
Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped sera éphémère, seulement présentée pendant 16 jours, du samedi 18 septembre au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique sera emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument.
Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse.

Cordyceps Gaud Adversary
Authors: Dozie Kanu, Manuel Arturo Abreu, Klein, Martine Syms, Moritz Scheper
Design: jmmp (Julian Mader, Max Prediger)
Publisher: Motto Books, Neuer Essener Kunstverein
Language: English, German
Pages: 121
Size: 21.5 x 29 cm
Weight: 674 g
Binding: Softcover
ISBN: 9782940672462

Dozie Kanu’s “Cordyceps Gaud Adversary" is the first comprehensive publication that contextualizes and traces his artistic practice of the last four years in relation to the notion of Black material culture, the theatricality of exhibition-making and his understanding of contemporary sculpture.

The publication is published on the occasion of Dozie Kanu’s exhibition at Neuer Essener Kunstverein and and includes, in addition to a generous image section, commissioned texts by Moritz Scheper and manuel arturo abreu, as well as a conversation on the artistic practice of Kanu between Martine Syms, Klein, and the artist.

 

Editorial
Nostalgie de 1968 et engagement
Nostalgia for 1968 and political commitment

Jean-Marc Poinsot

Alors qu'elle évoque la production éditoriale française sur Mai 1968, Antje Kramer-Mallordy regrette que cette production fasse la part belle aux affiches et aux photographies au lieu de « replacer les événements dans une chronologie et une géographie plus vastes ». Son analyse a été partagée par nos comités éditoriaux, dans la formulation de leurs choix pour le sommaire, autour de périodes plus larges que la seule année 1968, ou dans la sélection de publications engagées. La rubrique « L'Histoire revisitée » se charge de cette prise de distance avec le choix par Mica Gherghescu de trois publications couvrant l'après-guerre jusqu'à 1968 sur la poésie, le primitivisme, et la décolonisation ; ou encore celui de Jacopo Galimberti sur les années 1960-70 autour de Fabio Mauri, de l'Arte povera vu par Ileana Sonnabend, de Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini et Giosetta Fioroni peu connue pourtant des parisiens alors qu?elle vécut dans la même cité qu'eux. De quoi passer du fascisme à l'Extrême-gauche dans une période de grande créativité [...]
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When she refers to France's publishing output dealing with May '68, Antje Kramer-Mallordy laments the fact that the lion's share has gone to posters and photographs, instead of "re-situating events in a much wider chronology and geography". Her analysis has been shared by our editorial committees in formulating their choices for the contents of this issue around larger periods than simply the year 1968, and in the selection of politically committed publications. The heading "Revisiting History" takes care of this gap with the choice made for example by Mica Gherghescu of three publications covering the postwar years up until 1968, to do with poetry, primitivism, and de-colonization; that made by Jacopo Galimberti about the 1960s and 1970s around Fabio Mauri, Arte povera as seen by Ileana Sonnabend, and the choices of Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini and Giosetta Fioroni, albeit unfamiliar to Parisians, even though she lived in their city. The stuff of a shift from fascism to the far left in a period of great creativity [...]

Sommaire
Articles
De l'Activisme curatorial : art, politique et expositions (à l'intérieur, autour et au-delà des institutions)
Curating Activism: Art, Politics and Exhibitions (In, Around, and Beyond Institutions)
Juan Albarrán Diego
Histoires et archives de l'art contemporain en Chine : des pièces nouvelles et disparates
Histories and Archives of Chinese Contemporary Art: New and Disparate Elements
Jean-Marc Poinsot
L'Usage de la photographie comme moyen d?investigation sociale et historique
The Use of Photography as a Mode of Social and Historical Investigation
Joerg Bader
Quel espace pour d'autres généalogies de l'art ? Modernités et patrimoines critiques depuis le Maghreb et le Moyen-Orient
Defining a Space for New Art Genealogies ? North-African and Middle-Eastern Modernities and Critical Legacies
Emilie Goudal
Le Soi à l'épreuve du design. Du corps augmenté à l'apprentissage automatique : vers une sortie des Lumières ?
The Self in the Age of Design. From Human Enhancement to Machine Learning: Towards the End of the Enlightenment?
Tania Vladova

Portrait d'auteur
Okwui Enwezor
Elvan Zabunyan

Portrait d'artiste
Tacita Dean
Patricia Brignone

Traduction
Introduction
Traduction extraite de : "Aneignung und Ausnahme. Zeitgenossische Künstlerinnen: Ihre asthetischen Verfahren und ihr Status im Kunstsystem [Appropriation et exception. Les artistes-femmes contemporaines : leurs procédés esthétiques et leur statut dans le système de l'art]" par Isabelle Graw
Virginie de Bermont-Gettle
Introduit par / Introduced by : Sophie Cras

Essai
L'Illusion d'un été sans fin : design californien, soleil et mirages
The Illusion of an Endless Summer: Californian Design, Sun and Mirages
Lilian Froger
Introduit par Elitza Dulguerova & Vincent Gonzalvez

L'Histoire revisitée
Histoires de langage
Histories of Language
Mica Gherghescu
L'International 68 et les pouvoirs de l'image
The International 68 and the Powers of the Image
Paula Barreiro López
L'Art italien de deux décennies politiques
Italian Art in Two Political Decades
Jacopo Galimberti

Archives
Le Mai des critiques d?art : une question de perspective
The Art Critics? Month of May: a Matter of Perspective
Antje Kramer-Mallordy