Arts plastiques

Le titre de cet ouvrage est emprunté à Toward a New Abstraction, catalogue d'une exposition organisée par Ben Heller en mai-septembre 1963, au Jewish Museum de New York. Il regroupe les oeuvres d'une cinquantaine d'artistes, parmi lesquels Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Frank Stella, Paul Reed ou encore Robert Ryman. La ''Nouvelle Abstraction'' doit se comprendre non comme un mouvement, mais une sorte de rencontre dans le temps des tentatives structurelles qui s'aimantent plus qu'elles ne se laissent regrouper. Elle croise d'autres élans et d'autres courants, notamment le néo-dadaïsme, les débuts de l'art minimal et le ''process art''. Il n'est rien d'hermétique dans cet art, art épanoui, joyeux. Si la sensualité est absente au premier abord, c'est la joie vive des couleurs pures qui invite à ce que l'oeuvre s'affirme dans l'espace. La structure est couleur et la couleur jaillit de la structure.

2 volumes.

L'auteur vu par l'éditeur :
Claudine Humblet est l'auteur d'une thèse sur l'influence du Constructivisme et de « De Stijl » sur l'évolution du Bauhaus. Elle est membre de l'Association internationale des critiques d'art.

Cette grande anthologie d'art moderne et contemporain, unique en son genre par son caractère exhaustif et par sa qualité, traverse plus d'un siècle de peinture et de sculpture, de design et d'architecture, de photographie et de livres d'artistes.

Elle est strictement agencée dans un ordre chronologique, afin d'offrir au lecteur une perspective qui lui permette de visualiser les oeuvres en comparant différentes sensibilités et intuitions de la même année, mais aussi au fil du temps. Ainsi, il est possible de parcourir le processus d'expérimentation constant propre à l'expression artistique, mais aussi d'observer la variété des manières avec lesquelles l'art a affronté notre époque, sous forme de récit, de commentaire, de protestation, ou encore en proposant une vision alternative ou de nouvelles valeurs.

Un profil de l'art moderne et contemporain à la lumière de la collection la plus prestigieuse et célèbre du monde, celle du Museum of Modern Art de New York.

Le long de ce parcours représenté par 200 artistes et plus de 240 oeuvres, nous rencontrons des peintres comme Klimt, Schiele, Cézanne, Matisse, Picasso, Klee, Kahlo, Rauschenberg, Oldenburg, Lichtenstein, Warhol, Rothko, Hopper, des sculpteurs comme Rodin, Boccioni, Brancusi, Giacometti, des photographes comme Adams, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Lange, des architectes et des designers comme Otto Wagner, Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Kahn, Castiglioni, Aalto, Venturi.

Les reproductions de haute qualité sont rigoureusement commentées par les responsables des sections thématiques concernées du MoMA.

Monographie de référence, avec des introductions de Pierre Peissi et Carola Giedion-Welcker.

Anton Abramovitch Pevsner 1884-1962, artiste russe, frère de Naum Gabo, sculpteur, peintre, sculpture, peinture, constructiviste russe, constructivisme, URSS, membre fondateur du mouvement Abstraction-Création, art moderne, avant garde, art abstrait...

Nombreuses illustrations en couleurs et en noir & blanc

Relié sous jaquette

Argh! is an onomatopoeia which references a bodily expression, a state of mind described through a sound rather than words. It hints at fatigue, exhaustion but also a reaction and a release of the body towards a situation or an environment. Argh! introduces the recurring presence of the body in Davide Savorani’s series of private notebooks through drawings. They are an expressive necessity, but also an artistic tool of enquiry, a source of ideas, space for personal confessions and emotions.
This publication is an intense selection of drawings the artist made in the last 15 years. In doing this, we have paid attention to the crossing of visual scripts for performative actions, written materials describing personal occurrences or delving into theoretical obsessions. Rather than categorise or index the drawings, the graphic design as well as the text commissioned to and composed by Allison Grimaldi Donahue, embrace a lexicon of fragments, of chance overlapping and of close memories, triggered, yet not contained, by the drawings.

Argh! è un’onomatopea che rimanda a una manifestazione del corpo, a uno stato d’animo, cedendo a un suono la possibilità di esprimerlo. Allude alla stanchezza, all’esaurimento, ma anche a una reazione e a una liberazione del corpo nei confronti di una situazione o di un ambiente. Argh! riporta la presenza ricorrente del corpo nei disegni di Davide Savorani raccolti in diari personali. Il disegno per Davide Savorani è diventato una necessità espressiva, ma anche uno strumento artistico di indagine, una fonte di idee a cui attingere, uno spazio per confessioni private ed emozioni.
La pubblicazione è frutto di un’intensa selezione di disegni realizzati negli ultimi 15 anni. Nel concepirla, si è prestata attenzione alla sovrapposizione di script visivi pensati per azioni performative assieme a materiali scritti che descrivono avvenimenti personali o che approfondiscono ossessioni teoriche. Invece di categorizzare o indicizzare il materiale delle pagine dei taccuini, la coreografia grafica scelta così come le nuove parole scritte da Allison Grimaldi Donahue, abbracciano un lessico di frammenti, di sovrapposizioni casuali e di ricordi vicini, innescati, ma non contenuti, nei disegni stessi.

Hailed by The New York Times as the ''Olympics of the Art World,'' the Art Basel fair looks back on a long and rich tradition, and is also considered to be the largest and most important art fair in the world. It offers a comprehensive overview of modern and contemporary art, and, at the same time, continues to be the annual meeting point of the international art world, attracting artists, gallery owners, collectors, curators, critics, and art lovers from all over the globe. This catalogue features nearly 600 color illustrations that review the selection presented at Art 36 Basel, provides information on the event, and is an indispensable reference to the most recent developments in the art world.

20 artistes phares Renouer les fils avec le passé créée et dirigée par Elisabeth Couturier, cette collection décrypte le monde contemporain à travers ses expressions artistiques et ses modes de pensées.

Changer sa façon de voir L'art contemporain, quel intérêt ? L'art contemporain, c'est quoi ? Retenir quelques dates repères Ils l'ont fait pour la première fois...
Connaître les mots clés Comment approcher l'art contemporain ?

Ce livre naît d'un lieu créé en 2012 dans la ville de Mexico, par deux Français architectes et artistes, Delphine Passot et Arnaud Zein El Din.

C'est une ancienne maison dans le centre de la ville, dans une zone à l'abandon et où la gentrification tarde à venir.

Au milieu des vendeurs de journaux et des réparateurs de matériel électrique, au numéro 123 de la rue Artículo se trouve ce lieu qui mélange restaurant, galerie et magasin d'artisanat mexicain, avec l'intention de nourrir le corps et l'esprit. Depuis 2013, il a accueilli au total 84 expositions, tous les mois sans interruption, et diffusé des artistes mexicains ou habitants au Mexique.

Aujourd'hui durement touché par la pandémie et courant le risque de disparaître, il perdure malgré tout mais en s'adaptant et en trouvant d'autres formes de fonctionnement.

La vente de ce livre est destinée à pouvoir continuer d'exister et compile une partie des expositions qui ont eu lieu dans la galerie, sous forme d'une relecture non chronologique, au moyen de duos d'expositions.

TEXTES EN ESPAGNOL

Inspired by Abstract Expressionism, avant-garde art has emerged in the second half of the 20th century manifested in such unorthodox artforms as Pop Art, Minimalism, and Conceptualism. The Wexner Center in Columbus, Ohio, a showplace for the contemporary arts, has marked its first year with this hefty, amply illustrated anthology. Chronologically divided into three eras that correspond to three Wexner Center exhibitions, the 16 scholarly essays in the first two sections--written by notable art critics and historians involved in the movement--examine such issues as the synthesis of the arts, the cultural shift from Europe to America, and influences of popular culture in relation to each decade's sociopolitical issues. The third section contains several interviews with artists discussing their creative processes. Recommended for academic and large public libraries.

The Wexner Center's inaugural publication, Breakthroughs is an extraordinary survey of avant-garde art. This substantial, thoroughly illustrated volume details the activities of avant-garde artists, musicians, performing artists, and film and video makers-from Laurie Anderson, Joseph Beuys, and John Cage to Yvonne Rainer, Frank Stella, and Andy Warhol.

Naomi Del Vecchio poursuit une recherche artistique autour du dessin, de la gravure et de l'écriture. Ces pratiques, menées en parallèle, se répondent, en explorant les liens entre texte et dessin, mots et lieux, dans l'espace du livre comme dans celui de l'installation. Elle assemble et associe les observations, les définitions, les histoires, les réflexions, les points de vue scientifiques ou personnels, en jouant sur les frontières, les basculements et les dérapages.

"Cailloux et autres pierres" parle du temps, celui qui passe et qui nous dépasse, d'apparitions et de disparitions, de sommets et fonds sous-marins, d'êtres devenus pierre ou faisant la poussière, de coups de marteau et de bijouterie, de géants et de nains, de chaleur et de glace...

Adhérer au travail de Clémentine Carsberg c'est du gâteau !
Un quatre-quarts fait maison dégusté sur un coin de table, accompagné d'un jus frais ou chaud suivant la saison et d'une belle attention teintée d'humour.

Cet ouvrage permet de visiter l'entre-deux et l'affinage dans l'art de Clémentine Carsberg. Il fait écho aux vestiges, intimes et monumentaux, élaborés et questionnés dans son travail.
L'exploration se termine en abordant le rivage des vertiges dans la folie baroque dédiée à son histoire.
Entrer en matière avec les oeuvres, c'est vivre pleinement l'instant sans se préoccuper de l'effondrement possible. Son travail y veille. Le monument est rempart du "(...) mouvement interne où je n'ai pas d'écluse..." (Guillevic).
Se balader dans l'univers de Clémentine, c'est être accueilli léger, de temps à autre grave.

Que l'artiste soit remerciée de partager un art si contemporain.
Vincent Hanrot

Clémentine Carsberg vit et travaille à Marseille. Titulaire du Diplôme national supérieur d?expression plastique (DNSEP) délivré par l?École supérieure d?art et de design Marseille-Méditerranée, elle réalise des installations in situ en lien avec l?architecture ainsi que des collages et montages utilisant le papier et l?impression.

Ces dernières années, ses oeuvres ont été exposées dans les lieux suivants, en région PACA :

à Marseille : Galerie HO (2017), Festival des Arts éphémères, Parc Maison Blanche (2016), OÙ, lieu d?exposition pour l?art actuel et galerie du Tableau (2006) ; Art-cade Galerie des grands bains douches (2008), ateliers de Lorette (2006), La GAD Galerie Arnaud Deschin (2012), Espace GT (2014) ; à Aix-en-Provence : Le Pavillon de Vendôme (2017), 3 bis f (résidence de recherche et de création (2015) ; à Avignon avec l?association Parcours de l?art (2008).

Clémentine Carsberg a également exposé à Vaison-la-Romaine : Supervues ? Hôtel Burrhus (2009) ; à Toulouse avec l?association Entrez sans frapper (2011), à Paris, à Dublin - Irlande (2012), à Lisbonne - Portugal (2013), à Turin et Rivarolo - Italie (2014), au Musée d?art moderne et contemporain d?Alger ? Algérie (2015), au Colysée de Lambersart, 59 (2017).

En 2017 son travail a fait l?objet d?une publication « CAT. C. CAR. Catalogue Clémentine Carsberg, de vestiges en vertiges » Édition monographique - Bik&Book Editions.

Depuis 2015, elle participe à des ateliers collectifs de création, invitée par le FRAC PACA, le CAUE 13, l?association Ethnoméditerranée, l?association BAITA (Addiction Méditerranée), l?Hôpital Montperrin, l?ESPE d?Aix et la compagnie ERD?O.

Depuis plus de quarante ans, l'oeuvre de Jean-Jacques Ceccarelli étend les définitions et les techniques inhérentes à la pratique du dessin. Pour cet artiste foisonnant et volubile, le dessin n'est pas un outil de vérification ni un terrain d'essai. Il n'est pas une note ni une esquisse. Il constitue le corps et le centre de l'oeuvre. Il est une pensée et une activité globales dans la mesure où il entraîne des genres auxquels il est habituellement inféodé : peintures, objets, installations. Alors qu'entend-on par dessin qui serait si spécifique ? Ce ne sont pas les matériaux qui le qualifient. Ce serait plutôt une façon de donner à lire les formes plutôt que de les incarner, de constituer un récit de leurs agencements et de leurs métamorphoses plutôt que de les imposer. Le dessin est un récit au long cours, une histoire de coureur de fond. C'est surtout un fil maintenu. Ce livre déroule une continuité. Il dégage, à travers les périodes issues des différents ateliers, non pas un raisonnement mais un enchaînement de déclics. Il suit la façon dont le visible se tresse au lisible. Enfin, il rend compte, série après série, d'une extension, d'une façon de pousser sur les limites qui ferait de l'ensemble des dessins de Ceccarelli une immense bande passante transformant l'atelier en un paysage peuplé de figures gigognes, de migrations de formes qui s'abîment et se régénèrent. Frédéric Valabrègue.

L'oeuvre plastique de Cécile Dauchez investigue les changements d'état de la matière pour saisir l'instant de son nouvel aspect, et manifester les informations qu'il nous livre alors. Ce qui survient, dans la manipulation des matériaux, les transforme en images, et donne lieu à une expérience de ''formes qui ne ressemblent qu'à elles-mêmes''. La multiplicité des matériaux utilisés et présentés dans cette monographie, concourt à une impression d'ensemble très simple ; celle d'un état d'enchantement.
Le texte de l'artiste Maxime Thieffine propose une lecture inspirée, où les traces révélées sur les matériaux fonctionnent comme des écrans. Cette lecture s'éclaire par la convocation du travail d'artistes tels que Cheyney Thompson, Sean Snyder, Paul Thek ou Richard Serra. Cécile Dauchez se livre ensuite, lors de son entretien avec Dorothée Dupuis, à une analyse intime des mobiles et des destinées de sa pratique d'artiste.
Leur dialogue met ainsi en perspective l'expérience renouvelée de l'artiste lors de son travail d'atelier.

En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25. 000 mètres carrés de toile recyclable et 3. 000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet.
Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped sera éphémère, seulement présentée pendant 16 jours, du samedi 18 septembre au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique sera emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument.
Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse.

Constant Nieuwenhuys (1920-2005) is primarily known as the co-founder of the international Cobra group and as the initiator and maker of the New Babylon project. This publication sheds light, for the first time, on a third influential period in his artistic practice, during which he made the journey from Cobra to New Babylon, continually reinventing himself along the way. During the 1950s Constant was searching for new means to contribute, as an artist, to the reconstruction of society in the wake of the devastation of the Second World War. Significant developments in urbanism and technology were reflected in his work.


ills colour & bw

English

Editorial
Nostalgie de 1968 et engagement
Nostalgia for 1968 and political commitment

Jean-Marc Poinsot

Alors qu'elle évoque la production éditoriale française sur Mai 1968, Antje Kramer-Mallordy regrette que cette production fasse la part belle aux affiches et aux photographies au lieu de « replacer les événements dans une chronologie et une géographie plus vastes ». Son analyse a été partagée par nos comités éditoriaux, dans la formulation de leurs choix pour le sommaire, autour de périodes plus larges que la seule année 1968, ou dans la sélection de publications engagées. La rubrique « L'Histoire revisitée » se charge de cette prise de distance avec le choix par Mica Gherghescu de trois publications couvrant l'après-guerre jusqu'à 1968 sur la poésie, le primitivisme, et la décolonisation ; ou encore celui de Jacopo Galimberti sur les années 1960-70 autour de Fabio Mauri, de l'Arte povera vu par Ileana Sonnabend, de Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini et Giosetta Fioroni peu connue pourtant des parisiens alors qu?elle vécut dans la même cité qu'eux. De quoi passer du fascisme à l'Extrême-gauche dans une période de grande créativité [...]
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When she refers to France's publishing output dealing with May '68, Antje Kramer-Mallordy laments the fact that the lion's share has gone to posters and photographs, instead of "re-situating events in a much wider chronology and geography". Her analysis has been shared by our editorial committees in formulating their choices for the contents of this issue around larger periods than simply the year 1968, and in the selection of politically committed publications. The heading "Revisiting History" takes care of this gap with the choice made for example by Mica Gherghescu of three publications covering the postwar years up until 1968, to do with poetry, primitivism, and de-colonization; that made by Jacopo Galimberti about the 1960s and 1970s around Fabio Mauri, Arte povera as seen by Ileana Sonnabend, and the choices of Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini and Giosetta Fioroni, albeit unfamiliar to Parisians, even though she lived in their city. The stuff of a shift from fascism to the far left in a period of great creativity [...]

Sommaire
Articles
De l'Activisme curatorial : art, politique et expositions (à l'intérieur, autour et au-delà des institutions)
Curating Activism: Art, Politics and Exhibitions (In, Around, and Beyond Institutions)
Juan Albarrán Diego
Histoires et archives de l'art contemporain en Chine : des pièces nouvelles et disparates
Histories and Archives of Chinese Contemporary Art: New and Disparate Elements
Jean-Marc Poinsot
L'Usage de la photographie comme moyen d?investigation sociale et historique
The Use of Photography as a Mode of Social and Historical Investigation
Joerg Bader
Quel espace pour d'autres généalogies de l'art ? Modernités et patrimoines critiques depuis le Maghreb et le Moyen-Orient
Defining a Space for New Art Genealogies ? North-African and Middle-Eastern Modernities and Critical Legacies
Emilie Goudal
Le Soi à l'épreuve du design. Du corps augmenté à l'apprentissage automatique : vers une sortie des Lumières ?
The Self in the Age of Design. From Human Enhancement to Machine Learning: Towards the End of the Enlightenment?
Tania Vladova

Portrait d'auteur
Okwui Enwezor
Elvan Zabunyan

Portrait d'artiste
Tacita Dean
Patricia Brignone

Traduction
Introduction
Traduction extraite de : "Aneignung und Ausnahme. Zeitgenossische Künstlerinnen: Ihre asthetischen Verfahren und ihr Status im Kunstsystem [Appropriation et exception. Les artistes-femmes contemporaines : leurs procédés esthétiques et leur statut dans le système de l'art]" par Isabelle Graw
Virginie de Bermont-Gettle
Introduit par / Introduced by : Sophie Cras

Essai
L'Illusion d'un été sans fin : design californien, soleil et mirages
The Illusion of an Endless Summer: Californian Design, Sun and Mirages
Lilian Froger
Introduit par Elitza Dulguerova & Vincent Gonzalvez

L'Histoire revisitée
Histoires de langage
Histories of Language
Mica Gherghescu
L'International 68 et les pouvoirs de l'image
The International 68 and the Powers of the Image
Paula Barreiro López
L'Art italien de deux décennies politiques
Italian Art in Two Political Decades
Jacopo Galimberti

Archives
Le Mai des critiques d?art : une question de perspective
The Art Critics? Month of May: a Matter of Perspective
Antje Kramer-Mallordy

Editorial

Christophe Domino
Une critique 2.0 ?
Criticism 2.0?

Articles

Henry Meyric Hughes
In the Shadow of Piotr Piotrowski: Small Histories for a Global Perspective
Dans l'ombre de Piotr Piotrowski : des micro-histoires pour une perspective internationale

Emeline Eudes
(Re)vivre avec le vivant : à la croisée de l'art et du care

To (re)live With What is Alive: At the Junction of Art and Care [Texte intégral disponible en mai 2020]
Ariane De Blois
Françoise Sullivan : l'artiste en présence
Françoise Sullivan : Artist Present
Marie-Laure Allain Bonilla
Processus décoloniaux dans l'art : institutions et savoirs
Decolonial Processes in Art: Institutions and Knowledge
David Zerbib
Performer, participer : l?enjeu de l'activation
Performing, Participating: the Challenge of Activation

Portraits

Svitlana Biedarieva
Cuauhtémoc Medina
Cuauhtémoc Medina
Julie Portier
Franck Leibovici

Traduction

Denys Riout
"A Treasure Hunt"
L'Histoire revisitée
Constance Moréteau
Des corps vivants et rebelles : les publications vues par les artistes dans les années 1960-1970
Living and Rebellious Bodies: Publications as Seen by Artists in the 1960s and 1970s

Archives

Jean-Marc Poinsot, Jean-Marc Huitorel et Christophe Domino
L'aventure des ACA : 30 ans d'engagement au service de la critique d'art
The ACA Adventure: a Thirty-year Commitment to Art Criticism

Notes de lecture

349 ouvrages associés à ce numéro
349 books and catalogues featured in this issue

EDITORIAL / EDITORIAL

Les Saisons de l’histoire / The Seasons of History
Toni Hildebrandt

« Ces dernières années, certains artistes, historiens de l’art, critiques ou commissaires d’exposition, stimulés par les débats autour de l’Anthropocène, ont réévalué les épistémologies des éléments en se basant sur les perspectives empruntées aux humanités environnementales. Nous avons conscience du changement climatique depuis des dizaines d’années, mais en faisons de plus en plus souvent l’expérience directe. Cette réévaluation concerne également la métaphorologie des éléments, et plus particulièrement leurs fondements métaphysiques sous-jacents (equilibrium, harmonia, eucrasia). Pour comprendre ce changement de paradigme d’un point de vue structurel, il serait utile de se concentrer sur un trope en particulier : celui des saisons. Depuis des siècles, « nos » saisons sont considérées comme un donné divisant l’année en quatre phases caractéristiques, pour la plupart fondées sur le temps qu’il fait et la lumière du jour. En tant que telles, les saisons semblaient pouvoir fournir une source d’inspiration éternelle aux arts […]

In recent years, artists, art historians, critics and curators have revised the epistemologies of elements that rely on perspectives taken from the environmental humanities, stimulated by the debates surrounding the Anthropocene. We have known for decades, but are now increasingly experiencing, that the climate is changing. This also concerns the metaphorology of the elements, and in particular their underlying metaphysical foundations (equilibrium, harmonia, eucrasia). To structurally understand this change of paradigm, it would be helpful to focus on one particular trope: seasons. For centuries, “our” seasons were taken as a given, dividing the year in characteristic phases mostly based on the weather and daylight. As such, the seasons provided, or so it seemed, an eternal inspiration for the arts »

ARTICLES / ARTICLES

L’Objet d’art en réseau pendant la Guerre froide / The Networked Art Object of the Cold War
John J. Curley

Entre vitalisme, métaphore et sublimation : le matérialisme dans tous ses états / Between Vitalism, Metaphor, and Sublimation: Materialism and Its Various States
Larisa Dryansky

L’Art pense-t-il ? Des natures mortes hollandaises au pouvoir critique de machines qui dysfonctionnent / Does Art Think? From Dutch Still Lifes to the Critical Power of Dysfunctional Machines
Muriel van Vliet

Pratiques curatoriales : un appel à l’action critique en architecture / Curatorial Practices: a call for architecture critical action
Rute Figueiredo

PORTRAITS / PORTRAITS

Susan Schuppli par Doreen Mende
Jean Dupuy par Patricia Brignone

TRADUCTION / TRANSLATION

« La Couche sensorielle », extrait de The Revenge of the Real: Politics for a Post-pandemic World
Benjamin Bratton
Introduit par / Introduced by Simone Fehlinger

L’HISTOIRE REVISITÉE / REVISITING HISTORY

Enchevêtrements : race et architecture moderne / Entanglements: Race and Modern Architecture
Martin Bressani

Inventions et inventaires : nouvelles histoires de l’art contemporain africain / Inventions and Inventories: New Histories of Contemporary African Art
Ninon Chavoz

Vers un art post-racial dans l’Atlantique noir : actualité d’un ajournement narratif / Towards a Post-racial Art in the Black Atlantic: latest news about a narrative postponement
Sandra Delacourt

ESSAI / ESSAY

& J.L. | José Leonilson
Georgia René-Worms
Introduit par / Introduced by Juliette Trey, Adeline Blanchard

ARCHIVES / ARCHIVES

Entre pratiques artistiques et contestation : l’art alternatif russe et soviétique au prisme du Réseau des archives d’art russes / Between Art Practice and Protest: Russian/Soviet Alternative Art through the Prism of the Russian Art Archive Network
Anastasia Tarasova, Manuela Putz

 

Editorial
Prendre la tangente
Ahead of the curve
Elvan Zabunyan
A l’automne 2002, dans le numéro 20 de Critique d’art, Elisabeth Lebovici faisait un focus sur les « petits éditeurs » publiant des livres sur l’art contemporain. Exactement vingt ans plus tard, dans sa préface à Cruiser l’utopie : l’après et ailleurs de l’advenir queer, ouvrage de José Esteban Muñoz datant de 2009 et récemment publié par les éditions Brook [« Ruisseau » en anglais], elle écrit : « L’une des grandes leçons de la méthodologie queer, c’est qu’on ne lit pas (on ne regarde pas, on n’analyse pas, on ne parle pas d’) une œuvre ou une performance sans que d’autres vous accompagnent » (p. 15). La critique d’art queer devient une expérience collective puisqu’être accompagné·e·s, c’est ne pas faire cavalièr·e seul·e mais c’est aussi renoncer à l’autorité d’une pensée hissée sur un piédestal. Quelques pages plus haut, elle offre une analyse très sensible de la langue […]
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In the no. 20 Autumn 2002 issue of Critique d’art, Elisabeth Lebovici focused on “small publishers” releasing books on contemporary art.  Exactly twenty years later, in her preface to the recent publication by Brook, a small publisher, of the French translation of José Esteban Muñoz’s Cruising Utopia: the Then and There of Queer Futurity (2009), under the title Cruiser l’utopie : l’après et ailleurs de l’advenir queer, she writes: “One of the greatest lessons of queer methodology is that one does not read (look, analyse, speak about) a work or a performance without being accompanied by others” (p. 15). Queer art criticism becomes a collective experience, not only because being accompanied by others signifies not going it alone but also because it means giving up the authority of glorified concepts. A few pages prior, she offers a very delicate analysis of language […]

Incarné notamment par Picasso et Braque, le cubisme qui s'épanouit en France entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du XXe siècle.
Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien.

Le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la France au début du XXe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme...

Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

L'auteur relate sa rencontre avec D. Hockney lorsqu'il vivait dans le quartier londonien de Notting Hill, alors un quartier difficile, voire dangereux. Il raconte notamment comment l'artiste a su transformer son atelier en un brillant lieu de rencontre de personnes très différentes.

Hockney vivait et travaillait alors dans un appartement de Powis Terrace, à Notting Hill, quartier qui ne ressemblait en rien à ce qu'il est devenu aujourd'hui, chic, attirant touristes et clients d'antiquaires. Au contraire, c'était alors un quartier difficile et même dangereux, un des pires de Londres, plein de taudis, avec beaucoup de familles antillaises immigrées. Il venait d'être, récemment, le théâtre des fameuses émeutes raciales de Notting Hill. Je me souviens être allé là dans un mélange d'excitation et d'inquiétude, et je fus frappé par la façon dont Hockney avait réussi à transformer son atelier dans cette zone sinistre en un brillant lieu de rencontre accueillant toutes sortes de gens vifs et surprenants.

Pour la première fois, David Tremlett, artiste anglais né en 1945, se prête au délicat exercice de la rétrospective, occasion de prendre toute la mesure d'une oeuvre à la fois exigeante et sensible, mêlant peintures, sculptures, dessins et compositions murales.


COMME NEUF

Manet, Pissarro, Morisot, Cézanne, Seurat, Van Gogh et leurs contemporains ont réalisé des dessins parmi les plus beaux de l'histoire de l'art. Dans le contexte de la France de la fin du XIXe siècle, ces oeuvres impressionnistes et post-impressionnistes ont joué un rôle aussi important que celui des peintures dans la représentation de la modernité. Grâce à une nouvelle approche des matériaux et à une présence croissante du dessin dans les lieux d'exposition de l'époque, cette pratique a pu accéder à un statut inédit.

Les principes stylistiques ayant jusque-là caractérisé la peinture - spontanéité, liberté du trait et absence de finitions - se trouvaient désormais transférés sur papier. Les pastels de Degas, les aquarelles de Cézanne, les dessins à l'encre de Van Gogh et les oeuvres en technique mixte de Toulouse-Lautrec possédaient une autonomie qui allait s'avérer déterminante dans la genèse de l'art moderne.

Dans cet ouvrage, l'historien de l'art Christopher Lloyd se penche sur les dessins d'une vingtaine de grands artistes impressionnistes et post-impressionnistes mettant en lumière une production relativement peu explorée, mais fondatrice des mouvements artistiques du siècle suivant.

Lorsqu'en 2008 on lui demande un texte d'introduction pour une exposition, Jean Otth rédige un texte étonnamment autobiographique. Il raconte ses premières émotions visuelles : « Ma fascination était pour ce que j'apercevais très haut, sur les sellettes de bois : des femmes d'argile gris foncé, blanches ou terre de Sienne brûlée selon l'avancement des travaux, se penchaient ou se tordaient pudiquement sur moi, en contreplongée bienveillante pour le petit garçon que j'étais. La plupart étaient totalement nues mais d'autres étaient drapées à la manière des pudeurs espagnoles qui exacerbent leur mystère [...]. »

Véritable anamnèse de son rapport à l'image qui l'aura mené de la peinture à son travail précurseur dans le domaine de la vidéo, ce texte intrique sa vie amoureuse et son dilemme entre représentation et non-représentation, entre image et peinture. «Ce dont je suis sûr, c'est qu'aujourd'hui les images m'ennuient tant que je ne les ai pas partiellement ou totalement cachées », conclut-il dans un ultime geste de pudeur.

Avec une préface d'Alain Huck et une sélection de polaroids.

Jean Otth est né en 1940 à Lausanne. Après des études d'histoire de l'art et de philosophie à l'Université de Lausanne, il fréquente l'école d'art de cette même ville. Dès lors, toujours déterminée par une pratique de la peinture, sa trajectoire artistique se révèle étroitement liée à l'émergence des nouvelles technologies : l'un des pionniers de l'art vidéo en Suisse au début des années 1970, durant la décennie suivante il utilise l'informatique non seulement pour ses possibilités instrumentales, mais aussi pour ses dimensions esthétiques.

Jean Otth a enseigné à l'École cantonale d'art de Lausanne de 1979 à 2002. Jusqu'à sa mort en 2013, il a poursuivi un travail qui, sous forme d'installations, mélange projection vidéo et réalité objectale, en explorant leur interaction.

Comment traiter de l'architecture dans une exposition sans forcément mettre en scène la photographie du bâtiment, sa maquette ou le plan qui l'accompagne ? C'est à cette question que répond l'invitation faite à Emmanuel Régent de porter son regard sur un choix d'édifices contemporains sur la Côte d'Azur à l'occasion de la publication éditée par le Conseil général des Alpes-Maritimes et Les presses du réel.

L'artiste répond par la réalisation d'une grande fresque murale d'une quinzaine de mètres de longueur, composée d'une vingtaine de supports en bois, découpés selon la silhouette de leurs plans-masses et agencés comme un Tetris® horizontal à grande échelle. Le tout forme une sorte de cartographie inédite du territoire. L'ensemble est elliptique, suggère plutôt qu'il n'informe, laissant surtout apparaître le regard d'un artiste sur des constructions qui échappent bien souvent à notre attention.

Catalogue de l'exposition à la Villa Arson
20 avenue stephen liégeard 06105 Nice
24 juin - 30 octobre 2011