Ecrits sur l'art

Le titre de cet ouvrage est emprunté à Toward a New Abstraction, catalogue d'une exposition organisée par Ben Heller en mai-septembre 1963, au Jewish Museum de New York. Il regroupe les oeuvres d'une cinquantaine d'artistes, parmi lesquels Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Frank Stella, Paul Reed ou encore Robert Ryman. La ''Nouvelle Abstraction'' doit se comprendre non comme un mouvement, mais une sorte de rencontre dans le temps des tentatives structurelles qui s'aimantent plus qu'elles ne se laissent regrouper. Elle croise d'autres élans et d'autres courants, notamment le néo-dadaïsme, les débuts de l'art minimal et le ''process art''. Il n'est rien d'hermétique dans cet art, art épanoui, joyeux. Si la sensualité est absente au premier abord, c'est la joie vive des couleurs pures qui invite à ce que l'oeuvre s'affirme dans l'espace. La structure est couleur et la couleur jaillit de la structure.

2 volumes.

L'auteur vu par l'éditeur :
Claudine Humblet est l'auteur d'une thèse sur l'influence du Constructivisme et de « De Stijl » sur l'évolution du Bauhaus. Elle est membre de l'Association internationale des critiques d'art.

Cette grande anthologie d'art moderne et contemporain, unique en son genre par son caractère exhaustif et par sa qualité, traverse plus d'un siècle de peinture et de sculpture, de design et d'architecture, de photographie et de livres d'artistes.

Elle est strictement agencée dans un ordre chronologique, afin d'offrir au lecteur une perspective qui lui permette de visualiser les oeuvres en comparant différentes sensibilités et intuitions de la même année, mais aussi au fil du temps. Ainsi, il est possible de parcourir le processus d'expérimentation constant propre à l'expression artistique, mais aussi d'observer la variété des manières avec lesquelles l'art a affronté notre époque, sous forme de récit, de commentaire, de protestation, ou encore en proposant une vision alternative ou de nouvelles valeurs.

Un profil de l'art moderne et contemporain à la lumière de la collection la plus prestigieuse et célèbre du monde, celle du Museum of Modern Art de New York.

Le long de ce parcours représenté par 200 artistes et plus de 240 oeuvres, nous rencontrons des peintres comme Klimt, Schiele, Cézanne, Matisse, Picasso, Klee, Kahlo, Rauschenberg, Oldenburg, Lichtenstein, Warhol, Rothko, Hopper, des sculpteurs comme Rodin, Boccioni, Brancusi, Giacometti, des photographes comme Adams, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Lange, des architectes et des designers comme Otto Wagner, Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Kahn, Castiglioni, Aalto, Venturi.

Les reproductions de haute qualité sont rigoureusement commentées par les responsables des sections thématiques concernées du MoMA.

Faced with waning state support, declining revenue, and forced entrepreneurialism, museums have become a threatened public space. Simultaneously, they have assumed the role of institutional arbiter in issues of social justice and accountability. The canon of Institutional Critique has responded to the social embeddedness of art institutions by looking at the inner workings of such organizations. In After Institutions, Karen Archey expands the definition of Institutional Critique to develop a broader understanding of contemporary art’s sociopolitical entanglements, looking beyond what cultural institutions were to what they are and what they might become. Karen Archey is Curator of Contemporary Art at the Stedelijk Museum Amsterdam. She is a 2015 Creative Capital | Warhol Foundation Arts Writers Grant recipient for short-form writing. Since joining the Stedelijk Museum in April 2017, Archey has organized solo exhibitions by artists Rineke Dijkstra, Catherine Christer Hennix, Steffani Jemison, Metahaven, Jeff Preiss, Charlotte Prodger, and Hito Steyerl. She has written numerous catalogue essays and is a contributor to several art publications, including Artforum and Frieze.

"Against the Day" delivers anew an essay on images and how they function in the spreading of messages, whether it is about the code of the Jesuit order or the reclaiming of fantasy by Disney. Tuymans' series, in the way it encircles the problematical and brings to the surface that which lies just below - the forgotten or underlying aspects - has the character of a modern sort of 'history painting', capturing in an image the impact and scope of important historical changes. In this series Tuymans deals with the most immediate horizon on which images and our perceptions thereof are situated, those of the perfect simulations on luminous screens.

Contributors:
AAPK – Suyoung Ko, Yeon Joo Oh, Soonam Lee, Haewook Jeong

Guest Contributors:
Johan Bettum, Peter Trummer, Michael Young, Damjan Jovanovic

The book, Architecture as Fabulated Reality, marks the culmination of AAPK’s four experimental architectural projects, which employed virtual reality technology (VR) as the primary medium. The four projects explore a new emerging sense of spatiality, fabulating and questioning the notion of reality based upon shared backgrounds and attitudes to contemporary architectural discourse.

To enhance ideas advanced by AAPK, the book invites four guest contributors from the architectural academic field in forms of critical essays or an interview. They reveal their collective interest in the power of the image and in forms of reality, in medium specificity and digital technology, and in presentation and representation along disciplinary lines. The subject of the book becomes clearer by curating and connecting each text, and meanwhile, makes it possible to reflect upon the situation that architecture is facing in the reality crisis caused by today’s digital technology or image culture.

Throughout this volume, AAPK maintains one key premise: to regard the architectural discipline as a set of fabulated and fictitious ideas. It is based on the belief that the ‘virtual’ is not synonymous with the fake, but is another version of the ‘real’. Here, AAPK is committed to the exploration of autonomous aesthetic-spatial realms that can be accessed from within the discipline, regardless of the buildings or other physical forms onto which the discipline was once projected (to be real) in the past.

Histoire d’un (vrai) faux
Ed. Salon du Salon

244 pages - Format 148 x 204 mm
Direction éditoriale : Philippe Munda
Conception graphique : Léna Araguas
Texte : Français
ISBN 978-2-9552776-0-7

Avec le soutien à l’édition du Cnap, Centre national des arts plastiques, la Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur, et Ars Ultima - Stein & Guillot Art Foundation.

À propos du livre : 

Livre-enquête relevant autant du collage que de l’expérimentation à tâtons, cet ouvrage croise deux histoires et deux destins peu communs : celui d’une édition pirate du Traité du style d’Aragon, publié initialement en 1928 chez Gallimard et épuisé depuis longtemps lorsque Gérard Bérreby (éditions Allia) relance à la fin des années 1970 un tirage
illégal de ce texte, entraînant un procés pour contrefaçon et violation de la propriété intellectuelle; de l’autre côté, des archives relatives aux duplications et reproductions de la Fontaine de Duchamp, récoltées et compilées dans les Fountain Archives par l’artiste Saâdane Afif depuis
2008. En empruntant de la documentation, reproduite et juxtaposée, relative à ces deux affaires autour de la notion d’art, de légitimité / réappropriation, de propriété intellectuelle et de reproduction / falsification, l’auteur créé ainsi un meta-livre tout à la fois œuvre à part entière; commentaire érudit et ironique et nouveau degré de lecture autour de ces thèmes. Réalisé par le plasticien Philippe Munda, ce livre
parodie et emprunte malicieusement la maquette des publication NRF.

Résumé et analyse du livre par : Librairie et Galerie Michel Descours, Lyon, France.
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Les carnets de la création par Aude Lavigne (France Culture) 
Le vrai du faux, les facéties de Philippe Munda.
www.franceculture.fr/emissions/les-carnets-de-la-creation/le-vrai-du-faux-les-faceties-de-philippemunda
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Ce livre composé de documents relatifs au livre Traité du style, Louis Aragon, 1928, ainsi qu’au ready-made Fountain, Marcel Duchamp 1917, relate et croise deux histoires qui touchent aux champs littéraires et artistiques du début du 20.me siècle.

En 1979, Gérard Berréby (directeur des éditions Allia) fait reproduire clandestinement le livre Traité du style, Louis Aragon, 1928.

Depuis 2008, Saâdane Afif arrache et collectionne mille et une pages relatives à la reproduction de Fountain, Marcel Duchamp 1917 (The fountain archives).

Le livre Traité du style de Louis Aragon débute par ces mots

Destinée de La Fontaine.
/.../
Ne forçons pas notre talent,
Nous ne FAIRIONS rien avec grâce ...

incipit qui pour l’auteur du livre Histoire d’un (vrai) faux, 2018 induit ces rapprochements et le choix de l’extraction des phrases de Louis Aragon dans Traité du style contenant le verbe FAIRE.
Ces phrases sont imprimées dans Histoire d’un (vrai) faux aux paginations d’origine des éditions françaises de Traité du style et forment ainsi la structure de ce livre d’artiste.
Sont enfin reproduites les pages d’un livre imaginaire, Contes de la chemise rouge, Antoine Célèbre (contenues dans La mise à mort, Louis Aragon, 1965) révélé et mise en volume par les éditions Lorem Ipsum qui en 2017 ont convoqué Philippe Munda auteur d’Histoire d’un (vrai) faux pour en dicter la maquette reprenant les codes simplifiés d’un livre de la collection Folio, Gallimard.

Authors: Amina Lawal Agoro, Dulcie Abrahams Altass, Yemisi Aribisala, Eva Barois De Caevel, Mamadou Diallo, Carine Doumit, Ayesha Hameed, Ava Hess, Sandrine Honliasso, Marinette Jeannerod, Koyo Kouoh, Ariane Leblanc, Dominique Malaquais, Lionel Manga, Zen Marie, Jenny Mbaye, Thierno Niang, Julie Peghini, Marie Helene Pereira, Esther Poppe, farid rakun, Frida Robles Ponce, Sumesh Manoj Sharma, Marion Louisgrand Sylla, Maya Tounta, Margrethe Troensegaard, Ibrahima Wane, Peter Webb, Syham Weigant

RAW Académie was developed in Dakar to create a space of experimental teaching and collaboration, of deconstruction and exposure, of knowledge and nourishment. Koyo Kouoh, founder of RAW Material Company, wished for curatorial inquiry and critical writing to join artistic thinking at this site of international encounters. During these two-month long sessions that take place twice a year, young artists and curators—the Académie fellows—come from all over the world to be accompanied by faculty members with whom they exchange and experiment around particular discursive practices or thematic foci. The commitment to create a community that did not previously exist has led to an ever expanding RAW Académie family of Pan-African and global orientation. This thriving and stimulating meeting ground of pedagogy and art has cultivated the emergence of many provocations, reflections and new possibilities, some of which are shared in Breathing Out of School—a volume of diverse texts that slowly constructs an invitation to ruminate upon what it means to share the table of curiosity and creativity with others, as well as think about what feeds our own earnest dreams.

La RAW Académie a été créée à Dakar afin de proposer un espace d’enseignement expérimental et de collaboration ; de déconstruction et d’exposition ; de connaissance et de substance. Koyo Kouoh, fondatrice de RAW Material Company, a souhaité que la recherche curatoriale et l’écriture critique se joignent à la pensée artistique sur ce lieu de rencontres internationales. Lors de ces sessions d’une durée de deux mois qui ont lieu deux fois par an, de jeunes artistes et curateur·rice·s — les fellows de l’Académie — arrivent du monde entier pour y être accompagné·e·s par le corps professoral avec lequel elles·ils échangent et expérimentent autour de pratiques discursives ou de thématiques particulières. La volonté de constituer une communauté qui n’existait pas auparavant a permis à la RAW Académie d’élargir sans cesse sa famille panafricaine et mondiale. Ce lieu de rencontre florissant et stimulant de la pédagogie et de l'art a cultivé l’emergence de nombreuses provocations, réflexions et possibilités nouvelles, dont certaines sont partagées dans Respirer hors école — un volume de textes diversifiés qui forme peu à peu une invitation à méditer sur ce que signifie de partager la table de la curiosité et de la créativité avec d’autres, ainsi qu’à réfléchir à ce qui nourrit nos rêves ardents.

Depuis plus de quarante ans, l'oeuvre de Jean-Jacques Ceccarelli étend les définitions et les techniques inhérentes à la pratique du dessin. Pour cet artiste foisonnant et volubile, le dessin n'est pas un outil de vérification ni un terrain d'essai. Il n'est pas une note ni une esquisse. Il constitue le corps et le centre de l'oeuvre. Il est une pensée et une activité globales dans la mesure où il entraîne des genres auxquels il est habituellement inféodé : peintures, objets, installations. Alors qu'entend-on par dessin qui serait si spécifique ? Ce ne sont pas les matériaux qui le qualifient. Ce serait plutôt une façon de donner à lire les formes plutôt que de les incarner, de constituer un récit de leurs agencements et de leurs métamorphoses plutôt que de les imposer. Le dessin est un récit au long cours, une histoire de coureur de fond. C'est surtout un fil maintenu. Ce livre déroule une continuité. Il dégage, à travers les périodes issues des différents ateliers, non pas un raisonnement mais un enchaînement de déclics. Il suit la façon dont le visible se tresse au lisible. Enfin, il rend compte, série après série, d'une extension, d'une façon de pousser sur les limites qui ferait de l'ensemble des dessins de Ceccarelli une immense bande passante transformant l'atelier en un paysage peuplé de figures gigognes, de migrations de formes qui s'abîment et se régénèrent. Frédéric Valabrègue.

Editorial
Nostalgie de 1968 et engagement
Nostalgia for 1968 and political commitment

Jean-Marc Poinsot

Alors qu'elle évoque la production éditoriale française sur Mai 1968, Antje Kramer-Mallordy regrette que cette production fasse la part belle aux affiches et aux photographies au lieu de « replacer les événements dans une chronologie et une géographie plus vastes ». Son analyse a été partagée par nos comités éditoriaux, dans la formulation de leurs choix pour le sommaire, autour de périodes plus larges que la seule année 1968, ou dans la sélection de publications engagées. La rubrique « L'Histoire revisitée » se charge de cette prise de distance avec le choix par Mica Gherghescu de trois publications couvrant l'après-guerre jusqu'à 1968 sur la poésie, le primitivisme, et la décolonisation ; ou encore celui de Jacopo Galimberti sur les années 1960-70 autour de Fabio Mauri, de l'Arte povera vu par Ileana Sonnabend, de Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini et Giosetta Fioroni peu connue pourtant des parisiens alors qu?elle vécut dans la même cité qu'eux. De quoi passer du fascisme à l'Extrême-gauche dans une période de grande créativité [...]
/
When she refers to France's publishing output dealing with May '68, Antje Kramer-Mallordy laments the fact that the lion's share has gone to posters and photographs, instead of "re-situating events in a much wider chronology and geography". Her analysis has been shared by our editorial committees in formulating their choices for the contents of this issue around larger periods than simply the year 1968, and in the selection of politically committed publications. The heading "Revisiting History" takes care of this gap with the choice made for example by Mica Gherghescu of three publications covering the postwar years up until 1968, to do with poetry, primitivism, and de-colonization; that made by Jacopo Galimberti about the 1960s and 1970s around Fabio Mauri, Arte povera as seen by Ileana Sonnabend, and the choices of Gianfranco Baruchello, Pier Paolo Pasolini and Giosetta Fioroni, albeit unfamiliar to Parisians, even though she lived in their city. The stuff of a shift from fascism to the far left in a period of great creativity [...]

Sommaire
Articles
De l'Activisme curatorial : art, politique et expositions (à l'intérieur, autour et au-delà des institutions)
Curating Activism: Art, Politics and Exhibitions (In, Around, and Beyond Institutions)
Juan Albarrán Diego
Histoires et archives de l'art contemporain en Chine : des pièces nouvelles et disparates
Histories and Archives of Chinese Contemporary Art: New and Disparate Elements
Jean-Marc Poinsot
L'Usage de la photographie comme moyen d?investigation sociale et historique
The Use of Photography as a Mode of Social and Historical Investigation
Joerg Bader
Quel espace pour d'autres généalogies de l'art ? Modernités et patrimoines critiques depuis le Maghreb et le Moyen-Orient
Defining a Space for New Art Genealogies ? North-African and Middle-Eastern Modernities and Critical Legacies
Emilie Goudal
Le Soi à l'épreuve du design. Du corps augmenté à l'apprentissage automatique : vers une sortie des Lumières ?
The Self in the Age of Design. From Human Enhancement to Machine Learning: Towards the End of the Enlightenment?
Tania Vladova

Portrait d'auteur
Okwui Enwezor
Elvan Zabunyan

Portrait d'artiste
Tacita Dean
Patricia Brignone

Traduction
Introduction
Traduction extraite de : "Aneignung und Ausnahme. Zeitgenossische Künstlerinnen: Ihre asthetischen Verfahren und ihr Status im Kunstsystem [Appropriation et exception. Les artistes-femmes contemporaines : leurs procédés esthétiques et leur statut dans le système de l'art]" par Isabelle Graw
Virginie de Bermont-Gettle
Introduit par / Introduced by : Sophie Cras

Essai
L'Illusion d'un été sans fin : design californien, soleil et mirages
The Illusion of an Endless Summer: Californian Design, Sun and Mirages
Lilian Froger
Introduit par Elitza Dulguerova & Vincent Gonzalvez

L'Histoire revisitée
Histoires de langage
Histories of Language
Mica Gherghescu
L'International 68 et les pouvoirs de l'image
The International 68 and the Powers of the Image
Paula Barreiro López
L'Art italien de deux décennies politiques
Italian Art in Two Political Decades
Jacopo Galimberti

Archives
Le Mai des critiques d?art : une question de perspective
The Art Critics? Month of May: a Matter of Perspective
Antje Kramer-Mallordy

Editorial

Christophe Domino
Une critique 2.0 ?
Criticism 2.0?

Articles

Henry Meyric Hughes
In the Shadow of Piotr Piotrowski: Small Histories for a Global Perspective
Dans l'ombre de Piotr Piotrowski : des micro-histoires pour une perspective internationale

Emeline Eudes
(Re)vivre avec le vivant : à la croisée de l'art et du care

To (re)live With What is Alive: At the Junction of Art and Care [Texte intégral disponible en mai 2020]
Ariane De Blois
Françoise Sullivan : l'artiste en présence
Françoise Sullivan : Artist Present
Marie-Laure Allain Bonilla
Processus décoloniaux dans l'art : institutions et savoirs
Decolonial Processes in Art: Institutions and Knowledge
David Zerbib
Performer, participer : l?enjeu de l'activation
Performing, Participating: the Challenge of Activation

Portraits

Svitlana Biedarieva
Cuauhtémoc Medina
Cuauhtémoc Medina
Julie Portier
Franck Leibovici

Traduction

Denys Riout
"A Treasure Hunt"
L'Histoire revisitée
Constance Moréteau
Des corps vivants et rebelles : les publications vues par les artistes dans les années 1960-1970
Living and Rebellious Bodies: Publications as Seen by Artists in the 1960s and 1970s

Archives

Jean-Marc Poinsot, Jean-Marc Huitorel et Christophe Domino
L'aventure des ACA : 30 ans d'engagement au service de la critique d'art
The ACA Adventure: a Thirty-year Commitment to Art Criticism

Notes de lecture

349 ouvrages associés à ce numéro
349 books and catalogues featured in this issue

EDITORIAL / EDITORIAL

Les Saisons de l’histoire / The Seasons of History
Toni Hildebrandt

« Ces dernières années, certains artistes, historiens de l’art, critiques ou commissaires d’exposition, stimulés par les débats autour de l’Anthropocène, ont réévalué les épistémologies des éléments en se basant sur les perspectives empruntées aux humanités environnementales. Nous avons conscience du changement climatique depuis des dizaines d’années, mais en faisons de plus en plus souvent l’expérience directe. Cette réévaluation concerne également la métaphorologie des éléments, et plus particulièrement leurs fondements métaphysiques sous-jacents (equilibrium, harmonia, eucrasia). Pour comprendre ce changement de paradigme d’un point de vue structurel, il serait utile de se concentrer sur un trope en particulier : celui des saisons. Depuis des siècles, « nos » saisons sont considérées comme un donné divisant l’année en quatre phases caractéristiques, pour la plupart fondées sur le temps qu’il fait et la lumière du jour. En tant que telles, les saisons semblaient pouvoir fournir une source d’inspiration éternelle aux arts […]

In recent years, artists, art historians, critics and curators have revised the epistemologies of elements that rely on perspectives taken from the environmental humanities, stimulated by the debates surrounding the Anthropocene. We have known for decades, but are now increasingly experiencing, that the climate is changing. This also concerns the metaphorology of the elements, and in particular their underlying metaphysical foundations (equilibrium, harmonia, eucrasia). To structurally understand this change of paradigm, it would be helpful to focus on one particular trope: seasons. For centuries, “our” seasons were taken as a given, dividing the year in characteristic phases mostly based on the weather and daylight. As such, the seasons provided, or so it seemed, an eternal inspiration for the arts »

ARTICLES / ARTICLES

L’Objet d’art en réseau pendant la Guerre froide / The Networked Art Object of the Cold War
John J. Curley

Entre vitalisme, métaphore et sublimation : le matérialisme dans tous ses états / Between Vitalism, Metaphor, and Sublimation: Materialism and Its Various States
Larisa Dryansky

L’Art pense-t-il ? Des natures mortes hollandaises au pouvoir critique de machines qui dysfonctionnent / Does Art Think? From Dutch Still Lifes to the Critical Power of Dysfunctional Machines
Muriel van Vliet

Pratiques curatoriales : un appel à l’action critique en architecture / Curatorial Practices: a call for architecture critical action
Rute Figueiredo

PORTRAITS / PORTRAITS

Susan Schuppli par Doreen Mende
Jean Dupuy par Patricia Brignone

TRADUCTION / TRANSLATION

« La Couche sensorielle », extrait de The Revenge of the Real: Politics for a Post-pandemic World
Benjamin Bratton
Introduit par / Introduced by Simone Fehlinger

L’HISTOIRE REVISITÉE / REVISITING HISTORY

Enchevêtrements : race et architecture moderne / Entanglements: Race and Modern Architecture
Martin Bressani

Inventions et inventaires : nouvelles histoires de l’art contemporain africain / Inventions and Inventories: New Histories of Contemporary African Art
Ninon Chavoz

Vers un art post-racial dans l’Atlantique noir : actualité d’un ajournement narratif / Towards a Post-racial Art in the Black Atlantic: latest news about a narrative postponement
Sandra Delacourt

ESSAI / ESSAY

& J.L. | José Leonilson
Georgia René-Worms
Introduit par / Introduced by Juliette Trey, Adeline Blanchard

ARCHIVES / ARCHIVES

Entre pratiques artistiques et contestation : l’art alternatif russe et soviétique au prisme du Réseau des archives d’art russes / Between Art Practice and Protest: Russian/Soviet Alternative Art through the Prism of the Russian Art Archive Network
Anastasia Tarasova, Manuela Putz

 

Editorial
Prendre la tangente
Ahead of the curve
Elvan Zabunyan
A l’automne 2002, dans le numéro 20 de Critique d’art, Elisabeth Lebovici faisait un focus sur les « petits éditeurs » publiant des livres sur l’art contemporain. Exactement vingt ans plus tard, dans sa préface à Cruiser l’utopie : l’après et ailleurs de l’advenir queer, ouvrage de José Esteban Muñoz datant de 2009 et récemment publié par les éditions Brook [« Ruisseau » en anglais], elle écrit : « L’une des grandes leçons de la méthodologie queer, c’est qu’on ne lit pas (on ne regarde pas, on n’analyse pas, on ne parle pas d’) une œuvre ou une performance sans que d’autres vous accompagnent » (p. 15). La critique d’art queer devient une expérience collective puisqu’être accompagné·e·s, c’est ne pas faire cavalièr·e seul·e mais c’est aussi renoncer à l’autorité d’une pensée hissée sur un piédestal. Quelques pages plus haut, elle offre une analyse très sensible de la langue […]
/
In the no. 20 Autumn 2002 issue of Critique d’art, Elisabeth Lebovici focused on “small publishers” releasing books on contemporary art.  Exactly twenty years later, in her preface to the recent publication by Brook, a small publisher, of the French translation of José Esteban Muñoz’s Cruising Utopia: the Then and There of Queer Futurity (2009), under the title Cruiser l’utopie : l’après et ailleurs de l’advenir queer, she writes: “One of the greatest lessons of queer methodology is that one does not read (look, analyse, speak about) a work or a performance without being accompanied by others” (p. 15). Queer art criticism becomes a collective experience, not only because being accompanied by others signifies not going it alone but also because it means giving up the authority of glorified concepts. A few pages prior, she offers a very delicate analysis of language […]

Incarné notamment par Picasso et Braque, le cubisme qui s'épanouit en France entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du XXe siècle.
Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien.

Le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la France au début du XXe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme...

Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

L'auteur relate sa rencontre avec D. Hockney lorsqu'il vivait dans le quartier londonien de Notting Hill, alors un quartier difficile, voire dangereux. Il raconte notamment comment l'artiste a su transformer son atelier en un brillant lieu de rencontre de personnes très différentes.

Hockney vivait et travaillait alors dans un appartement de Powis Terrace, à Notting Hill, quartier qui ne ressemblait en rien à ce qu'il est devenu aujourd'hui, chic, attirant touristes et clients d'antiquaires. Au contraire, c'était alors un quartier difficile et même dangereux, un des pires de Londres, plein de taudis, avec beaucoup de familles antillaises immigrées. Il venait d'être, récemment, le théâtre des fameuses émeutes raciales de Notting Hill. Je me souviens être allé là dans un mélange d'excitation et d'inquiétude, et je fus frappé par la façon dont Hockney avait réussi à transformer son atelier dans cette zone sinistre en un brillant lieu de rencontre accueillant toutes sortes de gens vifs et surprenants.

Lorsqu'en 2008 on lui demande un texte d'introduction pour une exposition, Jean Otth rédige un texte étonnamment autobiographique. Il raconte ses premières émotions visuelles : « Ma fascination était pour ce que j'apercevais très haut, sur les sellettes de bois : des femmes d'argile gris foncé, blanches ou terre de Sienne brûlée selon l'avancement des travaux, se penchaient ou se tordaient pudiquement sur moi, en contreplongée bienveillante pour le petit garçon que j'étais. La plupart étaient totalement nues mais d'autres étaient drapées à la manière des pudeurs espagnoles qui exacerbent leur mystère [...]. »

Véritable anamnèse de son rapport à l'image qui l'aura mené de la peinture à son travail précurseur dans le domaine de la vidéo, ce texte intrique sa vie amoureuse et son dilemme entre représentation et non-représentation, entre image et peinture. «Ce dont je suis sûr, c'est qu'aujourd'hui les images m'ennuient tant que je ne les ai pas partiellement ou totalement cachées », conclut-il dans un ultime geste de pudeur.

Avec une préface d'Alain Huck et une sélection de polaroids.

Jean Otth est né en 1940 à Lausanne. Après des études d'histoire de l'art et de philosophie à l'Université de Lausanne, il fréquente l'école d'art de cette même ville. Dès lors, toujours déterminée par une pratique de la peinture, sa trajectoire artistique se révèle étroitement liée à l'émergence des nouvelles technologies : l'un des pionniers de l'art vidéo en Suisse au début des années 1970, durant la décennie suivante il utilise l'informatique non seulement pour ses possibilités instrumentales, mais aussi pour ses dimensions esthétiques.

Jean Otth a enseigné à l'École cantonale d'art de Lausanne de 1979 à 2002. Jusqu'à sa mort en 2013, il a poursuivi un travail qui, sous forme d'installations, mélange projection vidéo et réalité objectale, en explorant leur interaction.

Histoire d'un (Vrai) faux

Ce livre, composé de documents relatifs au Traité du style (1928) de Louis Aragon, ainsi qu’au ready-made Fountain (1917) de Marcel Duchamp, relate et croise deux histoires qui touchent aux champs littéraires et artistiques du début du 20e siècle.

En 1979, Gérard Berréby (directeur des éditions Allia) fait reproduire clandestinement le livre Traité du style, Louis Aragon, 1928.

Entre 2008 et 2018, Saâdane Afif arrache et collectionne mille et une pages relatives à la reproduction de Fountain, Marcel Duchamp 1917 (The fountain archives).

Le livre Traité du style débute par ces mots :
« Destinée de La Fontaine.
/…/
Ne forçons pas notre talent,
Nous ne FAIRIONS rien avec grâce ».

Cet incipit induit pour l’auteur du livre Histoire d’un (vrai) faux des rapprochements et le choix de l’extraction des phrases de Louis Aragon dans Traité du style contenant le verbe FAIRE. Ces phrases sont imprimées dans Histoire d’un (vrai) faux aux paginations d’origine des éditions françaises de Traité du style et forment ainsi la structure de ce livre d’artiste.

Direction éditoriale Philippe Munda
Design graphique Léna Araguas
Relecture Aude Launay
Imprimé à Sofia, Bulgarie
Édité par Salon du Salon, Marseille, France
www.salondusalon.com
Dépôt légal Septembre 2018
ISBN 978-2-9552776-0-7

Avec le soutien de : Cnap, Centre national des arts plastiques, Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur (Carte Blanche aux artistes), Ars Ultima – Stein & Guillot Art Foundation.

244 PAGES - FORMAT 14,8 X 20,4 CM


 

When the State Bauhaus opened in Weimar in 1918, the Swiss art theorist Johannes Itten (1888-1967) was one of the first teachers to be appointed by founder Walter Gropius. Itten had a considerable effect on the Bauhaus's creative training program, and his insights into the theory of colors set standards in art and design education that are still in use today. Constantly in dialogue with students and colleagues, Itten created works in which he examined the aura, contrasts, and forms of color. Inspired by his own teacher Adolf Hölzel, Itten developed a famous doctrine of color types whose significance extended far beyond the realms of fine art into everyday culture. Published to coincide with the jubilee year of the Bauhaus, this volume introduces the life and work of one of the movement's most formative theorists.

L'ANO SOLARE. A year long programme on sex and self-display

The book is the outcome of research on the themes of sex, sexuality and performativity which started in summer 2019 and was concluded in autumn 2021. The investigation starts from a curatorial perspective, situated in the field of contemporary Italian visual and performing arts, and evolves by absorbing contents from a variety of disciplines (philosophy, literature, history and pornography). The research is based on the firm conviction – here turned into a method – that a critical theory able to go beyond the disciplinary compartments of knowledge is an important practical tool for facing the political challenges of our contemporary world.

Editorial coordination
Achille Filipponi, Matteo Milaneschi

Graphic design
Federico Antonini, Alessio D'Ellena
Text editing
Chiara Carpenter

First edition
Italian / English
September 2021
Published by
Axis Axis

The title of the publication, L’Ano Solare (The Solar Anus), is borrowed from the text of the same name by Georges Bataille, theorist of unproductive expenditure, in whose lines we can find the seeds of the concept of anality that we hold dear. The anus – that “protagonist of a political strategy to terrorise and challenge totalitarian heteronormativity”, in the words of ideadestroyingmuros in the introduction to the Italian edition of Terrore Anale (Anal Terror) by Paul B. Preciado – is the sun around which the system of thought that enriches this book revolves.

La rencontre entre l'art et la richesse sous ses formes principales - or, monnaie, capital - est ancienne et conflictuelle. Alors que nous traversons une crise majeure du capitalisme et une période de transformation profonde de la culture et des savoirs, ce conflit est plus que jamais riche de vertus critiques et politiques. L'Or des images nous invite à nous arrêter sur certaines oeuvres qui réfléchissent par ce biais sur leur statut et leur fonction : objets d'apparat, marchandises, productions capitalistes.
Des masques d'or de Mycènes au cinéma contemporain en passant par la peinture flamande, s'esquissent alors les contours d'une dialectique des représentations encore jamais explorée jusqu'ici. Articulant les questions économiques, politiques, esthétiques et culturelles, Isabelle Garo livre ici une réflexion passionnante sur la façon dont l'art s'empare de la question de la valeur en vue d'analyser son propre statut social, son autonomie et les limites de celle-ci.
Une enquête sur la richesse sociale, aux sens les plus contradictoires du terme, qui concerne aussi le renouveau de l'art engagé, en dialogue fécond avec la critique marxiste de l'économie politique.

Muriel est gardienne au musée Angladon d'Avignon. Un métier qui ne lui épargne ni l'ennui ni les ruminations au milieu de tableaux qu'elle ne voit plus. Jusqu'au jour où les oeuvres vont se mettre à lui parler, provoquant une rencontre qui va bouleverser sa vie.

Charles Juliet. - Pour vous approprier ce geste que vous effectuez si souvent sur la matrice, vous avez dû le répéter à l'infini. Puis il vous a fallu l'oublier. Pour qu'il devienne spontané. Qu'il ne soit plus contrôlé...

Fanny Boucher. - Je pense qu'il y a un moment où l'énergie qui anime le geste ne vient plus du haut, elle n'est plus commandée parle cerveau. Elle vient du centre, des entrailles, elle monte et irradie dans les mains, elle guide le geste...

L'héliogravure, comme beaucoup d'autres savoir-faire, s'acquiert à travers la répétition du geste. Ce sont cette régularité et constance de la pratique qui conduisent à la maîtrise, à la connaissance de la matière. Elles apprennent à anticiper ses réactions, à les comprendre, à corriger le geste en fonction de ses états.

Comment s'élabore le processus créateur ? Pour le regardeur, si l'œuvre visuelle conserve son potentiel énigmatique, il en va de même pour les modalités de sa création. Quel parcours, quelles étapes ont conduit l'artiste jusqu'à l'œuvre qu'il considère comme achevée et qu'il offre alors au regard du public ? Ce que l'on sait au travers de témoignages et de réflexions à ce sujet de la part d'auteurs et d'artistes, c'est qu'entre l'intention du créateur et le résultat obtenu, un cheminement complexe a été suivi.
L'œuvre réalisée, dans une certaine mesure, est autre que l'intention qui l'a engendrée. Que s'est-il passé dans cet entre-deux ? Créer c'est prendre en compte l'apparition, en cours de réalisation, de l'imprévu, de l'accident, du contingent, du hasard. Comment ce surgissement de l'incontrôlé influe-t-il sur l'élaboration de l'œuvre ? Comment l'artiste réagit-il ? Qu'en fait-il ? Ces quelques textes sur le hasard apportent des éléments de réponse à ces questions, montrant toute la complexité du travail conduisant à l'œuvre aboutie.

Quelle idée d'aller passer une nuit de décembre 2020 dans ce musée-là ! Le Musée National de Beyrouth se situe sur la ligne de démarcation qui fut la frontière visible, meurtrière, dite "la ligne verte" par la luxuriance de la végétation, entre Beyrouth-Est et Beyrouth-Ouest, tout au long de la guerre civile, laquelle dura 15 ans, si l'on admet même que la guerre est aujourd'hui achevée.

Diane Mazloum est une romancière qui aime l'imagination et le passé récent.
Elle n'aurait sans doute pas dû se frotter à la matière historique, sédimentée, confetti d'empires disparus, qui veille sous les murs et s'agrippe aux cryptes du seul musée qui fait office de mémoire au Liban. Musée d'une nation ou de l'absence d'une nation ? Par quel miracle ce temple qui abrite les trésors des civilisations disparues, des Egyptiens aux Babyloniens, des Byzantins aux Mamelouks, a-t-il pu survivre aux assauts de la brutalité des hommes ? Ici, c'est un franc-tireur qui creusa un trou dans le mur pour y viser le passant dont la tête éclatera.
Là, ce sont les soldats israéliens qui se réchauffèrent à un brasier aux pieds noircis du Colosse. Ici, c'est une statuette en équilibre que le souffle de l'explosion du 4 août 2020 a fait dévier de son axe ? Là, ce sont les 31 statues aux yeux tournés vers l'intérieur qui semblent plus vivantes que les vivants du dehors ? La romancière n'aime pas le passé lointain. Mais elle se rend compte, dans cet émouvant récit griffé de vérités, que de Rome à Beyrouth, c'est le passé qui fait le présent, c'est l'ombre des morts qui recouvre la pauvre existence des vivants et l'illumine.

"Le Liban est celui à qui l'avenir arrive le premier" écrit Dominique Eddé. Alors, si cette phrase est vraie, cette nuit au musée, une nuit qui s'étend jusqu'au jour, sera peut-être le livre que la romancière ne voulait pas écrire sur la fin de nos civilisations. Mais qui s'est imposé à elle.

Cette exposition est un événement. Pas moins de 300 oeuvres seront présentées au public signées d'artistes contemporains aussi prestigieux que Larry Clark, Joseph Beuys, Viala, Buren, Gina Pane...
Conçue selon un parcours thématique, l'exposition confronte de nombreux mouvements artistiques de 68 à 78 : Ankform, Arte Povera, Land Art, support/surface.
Le corps, la matière, la surface et le texte seront pour le visiteur et le lecteur autant de moyens d'aborder l'Art des années 70 Des actes de colloque seront publiés sur les années 70 courant 2003.