Monographies

This volume is dedicated to the 565 Broome Street skyscraper, the first residential building conceived by Renzo Piano and designed by the Renzo Piano Building Workshop in the city of New York. Developed by Bizzi & Partners, the double tower occupies a corner space in the SoHo district, close to the Hudson River. Rich and fascinating iconography and a text by Federico Bucci and Carol Willis describe the design, the main features of the building, and how it relates to the city and the light that surrounds it in a unique way. The photographic selection is divided into thematic chapters, starting from the representation of the building s urban context and then illustrating the different parts of the project, the formal and structural characteristics of the towers, and the interiors. It also describes the contemporary artwork by Susumu Shingu that occupies the space between the towers.

The first comprehensive monograph on artist Daniel Arsham's genre-bending world.

Daniel Arsham mines lusted-after consumer goods and iconic imagery to create his conceptual objects and sculptures. The artist then casts and refinishes his work to imitate the effects of erosion and subsidence, creating monuments to our present obsessions, as if the objects were rescued from Pompeii. That same impulse toward excavation animates many of his installations, which range from layered broken walls to geodefilled caverns to melting portals. From room-collapsing environmental installations for today’s leading brands and museums to elaborate set design for classical dance, Arsham twists elements of architecture to create immersive aesthetic experiences that appeal to the divided attentions of a contemporary audience.

Presented as an induction manual to Arsham’s covetable world, the book will provide a complete overview of his practice. Virgil Abloh discusses Arsham’s contribution to a post-media artistic landscape, a thread developed by Hans Ulrich Obrist in a conversation with the artist that traces art-historical precedents. Steven Matijcio will discuss the artist’s projects and collaborations, which range from sets for Merce Cunningham’s dance company to clothes and sneakers with streetwear icons Ronnie Fieg and Adidas to projects with James Franco and Pharrell Williams and films with Mahershala Ali.

On the occasion of the centenary of his birth (2007), and twenty years after the last major monographic exhibition (Palazzo Reale, Milan, 1987), a great show featuring over two hundred works pays homage to this artist.

The exhibition highlights not only the most renown works, as the projects of installations of the forties and fifties, the artistic interventions in the architectural field of the following decade, the graphic projects and the cooperation of some of the most important companies of Italian culture of the period after the Second World War (Einaudi, La Rinascente, Olivetti and Danese), but also some of the less known aspects of Munari's work, as his continuative cooperation with many Italian magazines specialized in design, communication and art.

The catalogue, completed by rich iconographic material, presents the ten sections in which the exhibition is organized, and it includes as well a biography and a bibliography.


Milan, October 2007 - February 2008

"L'Ambiance de notre habitat doit nous procurer le calme, la détente, l'harmonie. Il y a communion de nôtre être avec le milieu et, en retour, répercussion de celui-ci en nous-mêmes. Notre milieu évoluera en même temps que nous, tout comme nous évoluons au cours des étapes de notre vie, son expression n'est pas fixe mais en perpétuel développement."

"The atmosphere of our home must provide us with calm, relaxation and harmony. There is communion of our being with the environment and, in return, its repercussion in ourselves. Our environment will evolve as we do, just as we evolve through the stages of our lives, its expression is not fixed but in constant development."

English / Français

Au cours des années 1930, parallèlement à ses activités d'architecte, de designer, d'urbaniste et de militante, la photographie occupe une place importante dans sa création.
L'aventure photographique débute en 1927 et se clôt au Japon en 1940. Se déployant tout au long de la période pionnière, quand se développe la modernité, elle s'éteint sur l'espoir d'un monde meilleur anéanti par la seconde guerre mondiale.

La photographie est pour Charlotte Perriand le '' laboratoire secret '' de ses recherches plastiques et philosophiques : c'est une '' machine '' à penser. Son oeuvre photographique, qui exprime les principaux thèmes et les interrogations des modernes des années 1930, s'inscrit dans le vaste mouvement des avant-gardes où peintres, architectes et photographes, parfois confondus, travaillent côte à côte dans une communauté d'esprit, où chaque expression s'enrichit du regard de l'autre.

Une carrure impressionnante et un franc-parler qui lui est propre, Christian Ghion est un personnage hors du commun. Il est aussi un designer aux talents multiples.
Sa créativité, son inventivité sans cesse renouvelées lui ont permis de multiplier ces dernières années des collaborations avec de prestigieuses maisons d'édition (Néotu, Cappellini, Driade, Salviati, XO, Sawaya & Moroni...) et de grands noms ou personnalités internationales (Chantal Thomass, Pierre Gagnaire, Jean-Charles de Castelbajac, Nicolas Feuillatte...).
Rassembleur, il organise pendant sept ans les expositions Tarkett Sommer auxquelles participent les grandes stars du design et orchestre le « Design Lab », véritable laboratoire d'innovations, où se révèlent les signatures de demain.
Première monographie consacrée au designer, ce livre vient illustrer la trajectoire originale de Christian Ghion.
Préface et texte (français/anglais) : Pierre Doze et Barabara Poirette.

Le designer Christophe Pillet choisit de dessiner des objets, des meubles, des lieux pour raconter des histoires. Ou plus simplement pour dire les choses et donner son point de vue sur des situations du quotidien. Ce livre inédit présente un large échantillon d'archives graphiques du designer. Dessins au crayon, au feutre ou encore esquissés par informatique s'intercalent avec une série de propos où Christophe Pillet livre son approche des différents domaines d'expression qu'il explore. Véritable envers du décor, cet ouvrage est également constitué d'un portfolio photographique qui offre un regard singulier sur quelques réalisations phares du designer afin de rappeler au lecteur l'aboutissement formel de l'objet. 

CHRISTOPHE PILLET (né en 1959, vit et travaille à Paris). Diplômé de l'école des Arts décoratifs de Nice en 1985 et Master de la Domus Academy de Milan en 1986 Christophe Pillet travaille de 1986 à 1988 à Milan, puis de 1988 à 1993, avec Philippe Starck à Paris. Depuis mai 1993, il poursuit son activité en tant qu'indépendant. Elu Créateur de l'année en 1994, il intervient dans de nombreux domaines tels que le design de mobilier et de produits, la décoration intérieure, l'architecture, la scénographie et la direction artistique. Christophe Pillet collabore, entre autres, avec les sociétés, Cappellini, Daum, JC Decaux, Domeau & Pérès, Driade, Lacoste, L'Oréal, Renault, Serralunga, Veuve Clicquot Ponsardin, Whirlpool.

 

Le livre présente le travail de collaboration de l'éditeur de meubles Domeau & Pérès depuis une dizaine d'années avec des designers tels que Christophe Pillet, les Bouroullec, Matali Crasset, Andrée Putman, Laurent Nicolas, Jerôme Olivet, Martin Szekely, Milan Vukmirovic, Alexandre de Betak, Odile Decq, Vincent Dupont-Rougier, François Azambourg.

 

Ce volume se présente comme une monographie consacrée aux oeuvres de Fabienne Verdier qui seront présentées lors de l'exposition que le musée Unterlinden de Colmar dédie à l'artiste, et qui dialogueront non seulement avec les collections d'art ancien et moderne du musée, mais aussi avec l'espace architectural - conçu par Herzog & de Meuron - qui les abrite. Cet ouvrage permettra aux lecteurs d'approfondir le lien inédit que l'artiste noue entre son oeuvre monumentale et le retable d'Issenheim de Matthias Grünewald en s'inspirant du spectre chromatique et de l'aura lumineuse qui distinguent la peinture de Grünewald.
Fabienne Verdier réfléchit à la représentation de la mort non plus comme fin, mais comme trace d'énergie qui se libère pour les vivants. Ce lien entre l'homme et le cosmos, cette énergie vitale sont autant de thèmes qui justifient le titre - du livre comme de l'exposition - Le Chant des étoiles. La grande installation des Rainbows joue un rôle central dans la publication : ces 66 oeuvres inspirées par l'aura lumineuse produite par la mort d'une étoile sont conçues comme des individus dont chacun porte un titre soulignant son lien avec le ciel, les étoiles et la lumière.
En outre, pour Fabienne Verdier, ces oeuvres constituent les portraits des défunts morts de la Covid-19, ils sont une manière d'icônes contemporaines et donnent vie à une oeuvre d'art universel.

En 1990, Felix Gonzalez-Torres découvre l'exposition personnelle de Roni Horn au MOCA (Los Angeles), et plus particulièrement Gold Field (1982), une oeuvre aujourd'hui mythique ? : un tapis rectangulaire, posé au sol, réalisé avec des feuilles d'or. Profondément marqué par la simplicité, la force et la beauté de cette oeuvre, Felix Gonzalez-Torres rencontre finalement Roni Horn en 1993 et partage avec elle l'impact bouleversant que son oeuvre a produit sur lui.
Quelques jours après cette rencontre, elle lui envoie un carré d'or comme signe d'amitié naissante. En réponse, Felix Gonzalez-Torres réalise Untitled (Placebo-Landscape-for Roni) (1993), un déversement de bonbons emballés dans du cellophane doré qui sont pour lui "? un nouveau paysage, un horizon possible, un lieu de repos et de beauté absolue. ? " A son tour, Roni Horn répond avec Gold Mats, Paired - for Ross and Felix (1994-1995), deux feuilles d'or placées l'une au-dessus de l'autre.
Leur amitié est scellée. Dans la continuité de cet échange créatif, nourri pendant plusieurs années et brutalement suspendu avec la mort de Felix Gonzalez-Torres, l'exposition de la Bourse de Commerce est rendue possible grâce à l'implication et à la complicité exceptionnelles de Roni Horn. Entre installations, photographies et sculptures, le dialogue des deux artistes se perpétue à travers une série d'oeuvres à la beauté fragile et à l'extrême puissance émotionnelle, tout en miroir et en lumière, avec la conviction que "? l'acte de regarder chacun de ces objets est transfiguré par le genre, la race, la classe social et la sexualité? " (Felix Gonzalez-Torres).
Au coeur de leur travail, et dans cette exposition en particulier, il s'agit donc de saisir le caractère "? intermédiaire ? " de l'existence, la dimension d'entre-deux, prise dans cette tension entre présence fragile et irréductible disparition. Le dialogue entre les oeuvres de Roni Horn et de Felix Gonzalez-Torres s'ancre dans le balancement entre ces deux polarités, entre vie et mort, entre le public et le privé, le personnel et le social, "? entre la peur de la perte et la joie d'aimer, de croître, de changer, de devenir toujours plus...
? " (Felix Gonzalez-Torres interviewé par Tim Rollins, in Felix Gonzalez-Torres, New York, A. R. T. Press, 1993).

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l'artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l'artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.

Née en 1925, Valentine Schlegel a développé une pratique plastique quotidienne entre Paris et Sète. À l'image d'un couteau suisse, elle maîtrise plusieurs techniques pour réaliser des objets usuels aux corps sculpturaux : couverts en bois, vases en céramique, sacs en cuir, cheminées en plâtre. Conçu sans hiérarchie, souvent en collaboration avec ses amis, ce corpus est fait d'objets de différentes dimensions et aux usages tantôt fantaisistes, tantôt quotidiens. Valentine Schlegel a également réalisé nombre d'éléments architecturaux en plâtre destinés aux intérieurs. Ces sculptures à vivre sont aussi, par leur caractère indéplaçable, la raison pour laquelle son travail est resté méconnu.

Grâce à une iconographie riche et précisément sélectionnée, cette monographie de référence permet notamment de documenter l'ensemble des cheminées que Valentine Schlegel a réalisées chez des particuliers - une centaine de 1959 à 2002. Les autres pans de son travail sont également abordés afin de saisir l'ensemble de sa pratique, intimement liée à son mode de vie, où les questions d'autonomie de production et d'amitié sont centrales.

« je dors » et « je travaille » sont deux énoncés peints sur une pancarte réversible accrochée à la porte de l'atelier sétois de Valentine Schlegel. Ils correspondent à deux temps différents de ses journées, invitant à l'isolement ou à la compagnie. Ces deux « activités » ne sont pas à prendre comme des opposés mais comme indissociables l'une de l'autre: elles servent de structure à l'édition en rendant perceptible les choix de modes de vie personnels et professionnels de Valentine Schlegel.

De par le déroulé chronologique, chaque page du livre peut être perçue comme un moment d'une journée, où la fabrication d'un ustensile de cuisine, la pratique de la sieste dans une couchette spécialement conçue à cet effet, la création d'une cheminée en plâtre pour la maison d'un collectionneur ou d'un sifflet en forme de sirène pour un cadeau à une amie sont les témoins d'une pratique totale et quotidienne, sans ordre hiérarchique mais répondant à une logique certaine: celle de créer ses propres conditions de vie.

Pourquoi un nouvel ouvrage sur Jean Prouvé ? Est-il encore possible d'ouvrir des pistes de recherche autour de son travail intemporel ? Tandis que certaines de ses pièces industrielles ont intégré les collections des musées d'art moderne et contemporain, Prouvé est unanimement salué pour l'engagement qui a soutenu sa démarche et l'originalité de ses contributions à la modernité. De fait, n'est-on pas
fondé à pressentir chez cet esprit novateur capable d'aborder les différentes échelles de conception, de l'objet jusqu'à la grande structure, un designer ? Cet ouvrage développe cette hypothèse grâce aux témoignages de professionnels, aux contributions de chercheurs, à la publication de textes inédits et aux productions de jeunes designers qui montrent par leur travail la capacité à se renouveler inscrite dans la démarche de Prouvé.

Livre broché + CD-ROM

Crayon en main, Jean-Charles de Castelbajac a donné vie à ce livre au fil des jours et des années. Il dessine partout, sur tout, et s'engage. Dessins tout-terrain présente pour la première fois un ensemble exceptionnel des plus beaux dessins de l'artiste, du papier à la rue qu'il investit de sa craie. Une conversation avec Jérôme Sans parcourt les origines et les influences artistiques de la pratique de Jean-Charles de Castelbajac.

For German-born Kem Weber (1889-1963), design was not about finding a new expression; it was about responding to ''structural, economic, and social requirements... characteristic of our daily routine of living.'' He sought to ensure that each design he produced-whether a piece of furniture or a building or an interior-was an improvement that responded to modern needs and modern life. Weber was a leading figure of modernism on the West Coast from the 1920s through the early 1950s, and his work greatly influenced the California style of the time. His most iconic designs were his Bentlock line, the Air Line chair, the interiors for the Bixby House, and his tubular-steel furniture for Lloyd.

This book, a result of significant new primary research in the Weber family's archives, represents the first major study of the life and career of this important designer. Christopher Long details the full range of Weber's contributions, focusing particularly on the part he played in the advancement of American modernism, and his role in heralding a new way of making and living.

Christopher Long is professor and chair of history/theory at the University of Texas at Austin School of Architecture.

Ce livre richement illustré raconte l'histoire de la lampe Jieldé et de son créateur. En 1953, à Lyon, l'ingénieur mécanicien Jean-Louis Domecq bouleverse l'univers de l'éclairage industriel en inventant une lampe articulée, idéalement adaptée au travail en atelier.

La Jieldé, d'après les initiales de son créateur, concentre tous les atouts qui manquaient jusqu'alors au luminaire présent sur les machines-outils.
Posée sur un socle tournant à 360 degrés et complètement articulée, l'innovation principale de cette lampe hors du commun réside dans son fonctionnement électrique : les fils ont disparu, remplacés par des contacts ondulés en chrysocal qui font circuler le courant au sein des articulations ! Belle à l'extérieur avec sa silhouette en zigzag, révolutionnaire à l'intérieur, la Jieldé a traversé le temps, glissant doucement des ateliers de mécanique au salon des particuliers dans lequel elle s'invite dès le début des années 80.

Décédé en 1983, Jean-Louis Domecq connaîtra à peine cette évolution. C'est sa fille, Marie- Françoise Domecq qui, prenant sa suite, va poursuivre le développement de la lampe dans l'univers de la décoration et l'accompagner vers son statut d'icône, avant de laisser les rênes de la société Jieldé, en 2001, à Philippe Bélier, son actuel P-DG.

Devenue un objet culte du mobilier industriel, la Jieldé bénéficie de la même aura que ses contemporaines, les lampes Gras, Luxo-L1 ou encore Tizio.
Mais contrairement à ses illustres comparses, elle ne résulte pas de la réflexion d'un designer, mais du coup de crayon d'un chef d'entreprise motivé par la seule obsession de répondre à son propre besoin en éclairage ainsi qu'à celui de sa clientèle. Par l'histoire de sa création et son évolution, la Jieldé occupe ainsi une place à part dans l'univers du luminaire contemporain.

Mathilde Perrin (Photographe)

Cette première monographie consacrée à Matali Crasset retrace les vingt dernières années du parcours d'une des créatrices les plus renommées du design international.

De l'objet à l'architecture, le travail de Matali Crasset interroge à la manière d'un sociologue le rôle du design dans la vie quotidienne et redéfinit les modes d'usage, les modes de vie et les interactions humaines.

Réputée pour son anticonformisme, Matali est diplômée des Ateliers Ensci, formée par un designer italien, Denis Santachiara. Elle a collaboré durant 5 ans avec Philippe Stark chez Thomson Multimedia. De sa colonne d'hospitalité Quand Jim monte à Paris au canapé-aire de jeux Permis de construire pour Domeau & Pérès, elle joue sur les caractères fonctionnel, poétique, imaginaire et récréatif de l'objet.

L'ouvrage retrace aussi ses talents d'architecte, hôtel, restaurant et même un salon de toilettage pour chien sont passés entre ses mains.

Avec un oeil unique qui rappelle Slim Aarons ou François Halard, le photographe parisien Matthieu Salvaing se spécialise dans les images d'intérieurs et sait rendre avec précision l'atmosphère de lieux uniques. Cette monographie rassemble ses photos de 24 lieux emblématiques, parmi lesquels une partie de l'atelier de Balthus, les décors de plateau d'un film de Wong Kar-Wai qui rend hommage à un Hong Kong depuis longtemps disparu, l'hôtel Ivoire à Abidjan, la maison de Frank Sinatra et Mia Farrow à Acapulco, mais aussi des réalisations emblématiques de grands noms comme Oscar Niemeyer, Alvar Aalto, Le Corbusier et Barragan.

Considéré aujourd'hui comme l'un des plus célèbres graphistes américains, Paul Rand a marqué l'histoire du design graphique par sa production, notamment celle de logos pour de grandes entreprises telles que IBM, ABC ou UPS qui restent encore majoritairement inchangés aujourd'hui.

Véritable artiste moderne, Paul Rand est parvenu à allier certaines influences avant-gardistes européennes (notamment celles du Bauhaus, du mouvement De Stijl, ou du constructivisme russe) au fonctionnalisme américain, donnant ainsi naissance à une nouvelle conception du design.
Son travail sur les identités visuelles a ainsi transformé en profondeur le champ de la publicité en faisant du design un outil commercial à part entière.

En parallèle de son travail de designer graphique, Paul Rand a également co-écrit trois livres pour enfants traduits en français, Je sais plein de choses, Toupie et confettis, et Ecoute ! Ecoute ! , avec sa femme Ann Rand.

A travers 27 essais, Paul Rand donne à voir ses méthodes de travail et inspirations sous un angle privilégié.
Il y détaille les principes théoriques qu'il s'est attaché à suivre et a tenté d'appliquer tout au long de sa carrière, mais revient également sur son rapport aux clients et sa perception du travail de commande en design graphique.

À la différence d'un grand nombre de monographies, le présent ouvrage interroge la pratique du design sous l'angle de la réflexion, et non uniquement sur le plan visuel.
Il en résulte ainsi un livre qui vise non seulement à être regardé, mais également à être lu. Chacun de ces essais mêle références artistiques et littéraires et témoigne de l'importance de la pluridisciplinarité dans le travail de Paul Rand.

L'ouvrage est l'unique source d'information de cette ampleur sur le travail de Paul Rand à l'heure actuelle en France, ce livre a été conçu par l'auteur comme étant celui à travers lequel il souhaitait synthétiser l'ensemble de sa pratique.
Il revient ainsi à la fois sur son travail de design de logos pour des grandes marques, mais décrit également ses projets de design de couvertures de livre ou de magazines pour des structures plus modestes.

Cet inventaire non-exhaustif du travail de Paul Rand se révèle être un véritable outil pour les étudiants, enseignants et professionnels en design graphique soucieux de perfectionner leur pratique et de se questionner sur leur travail.
Cet ouvrage s'attache en effet à montrer comment certains principes fondamentaux et intemporels qui encadrent la pratique du design - comme ceux de l'équilibre, l'harmonie des couleurs et la gestion de l'espace - peuvent être détournés pour être perçus sous un angle nouveau.

Ce livre sera accompagné de près de 150 images en noir et blanc et 70 en couleur qui donnent à voir l'ensemble du travail de Paul Rand, et d'une postface de Steven Heller, journaliste et directeur artistique américain.

Les multiples talents de PIERRE-ÉMILE LEGRAIN (1888-1929), designer, architecte d'intérieur, relieur, encadreur, paysagiste, en font un personnage aussi mystérieux que recherché des bibliophiles, amateurs de beaux-arts et collectionneurs de meubles d'exception.

Formé par Paul Iribe, Pierre Legrain fait la rencontre décisive de Jacques Doucet en 1912. Il crée pour le couturier près de 400 reliures, de nombreux cadres pour son exceptionnelle collection d'art moderne - notamment celui des Demoiselles d'Avignon -, ainsi qu'une série de meubles africano-cubistes.

Membre de l'UAM, dont il dessine le logo, Legrain fréquente André Breton, Paul Éluard, Jean Cocteau, les sculpteurs Gustave Miklos et Henri Laurens, le peintre Francis Picabia, ou encore la modiste Jeanne Tachard pour laquelle il dessine un jardin.
Son oeuvre rare - une centaine de meubles et quelques aménagements intérieurs - est aujourd'hui dispersée dans des musées ou des collections privées à travers le monde.

Première monographie transversale sur ce créateur hors normes, cet ouvrage restaure le fil de sa vie, ses nombreuses rencontres avec les avant-gardes artistiques et ses réalisations dans tous les domaines, soulignant les liens formels existant entre son travail d'ensemblier, de relieur et de dessinateur. À travers l'entourage de Legrain - amis et commanditaires -, il présente le contexte artistique exceptionnel dans lequel cette oeuvre si singulière a pu éclore.

Ce livre consacré à Eugène Printz est la réédition augmentée, version poche, de l'ouvrage publié par les Editions du Regard en 1986. Il rend hommage, de manière quasi exhaustive, à un créateur/meublier du XXè siècle, dont l'oeuvre se caractérise par un subtil respect de la tradition mobilière du XVIIIè siècle.

Formé au Faubourg Saint Antoine où il s'exerce, dans un premier temps, à la fabrication de pièces uniques et aux copies de meubles anciens, Printz rejoint bientôt les créateurs les plus enclins à la modernité, à l'instar de Pierre Chareau.
Dès lors, son talent se déploie dans les meubles, les luminaires mais aussi la décoration avec un sens inné des matériaux, de l'équilibre, des volumes voire de la couleur et du décor qu'il confit, dans la plupart des cas, au laqueur d'exception, Jean Dunand. Artiste complet, Printz se singularise très vite par l'emploie de bois rares et précieux, tels l'ébène, le kekwood, le palmier... souvent alliés au métal, lui-même, travaillé avec élégance et dont la ductilité le fait ressembler à du placage.
Très courtisé, son travail prend place chez la princesse de la Tour d'Auvergne, Chez Jeanne Lanvin ou encore au Musée des Colonies entre autres.

Précurseur du design, René Gabriel (1899-1950) débute comme dominotier puis s'impose en tant qu'artiste décorateur dans la plupart des Salons et des Expositions internationales de l'entre-deux-guerres.

La découverte de plusieurs milliers de ses dessins, conservés à l'École nationale supérieure des arts décoratifs où il enseignait, permet de bien saisir l'étendue de l'oeuvre de ce créateur singulier qui s'intéressait à tous les objets du quotidien : mobilier, papier peint, tissu, vaisselle, tapis, mais aussi architecture, illustration, scénographie, publicité... Adepte du bois, ce fervent défenseur d'un mobilier pour tous s'est illustré au moment de la Reconstruction en inventant de nombreux modèles pour les sinistrés et en établissant des liens étroits avec l'industrie.

Cet engagement lui vaut une très large reconnaissance, couronnée par le prix René-Gabriel qui va récompenser les plus grands designers, tels Marcel Gascoin, Pierre Guariche et Michel Boyer.

Pierre Gencey, spécialiste de la Reconstruction et des années 1950, a été en charge de la programmation de l'appartement-témoin Perret, au Havre. Il est l'auteur de nombreux articles et de livres, dont Jacques Hitier et Marcel Gascoin parus aux Éditions Piqpoq.

Couverture cartonnée avec bandeau
390 illustrations

Nouveau musée parmi le réseau de lieux et d'initiatives développés depuis 2006 par François Pinault, la Bourse de Commerce - Pinault Collection propose un point de vue sur les oeuvres contemporaines que le collectionneur rassemble depuis plus de cinquante ans, à travers un programme d'expositions et d'événements. Le regard du collectionneur La collection, un ensemble exceptionnel de plus de 10 ? 000 oeuvres de près de 350 artistes, est constituée de peintures, de sculptures, de vidéos, de photographies, d'oeuvres sonores, d'installations et de performances.
Les artistes dont François Pinault collectionne les oeuvres sont issus de tous les pays et représentent toutes les générations. Ils explorent tous les territoires de la création et témoignent de l'attention toute particulière portée par le collectionneur aux courant émergents. Cet ensemble, dédié à l'art des années 1960 à nos jours, offre un regard sur l'art de notre temps, le regard d'un passionné, un regard subjectif, qui contribue à saisir notre époque.
Un parcours sans cesse renouvelé, une collection en mouvement La collection est présentée à travers un programme dynamique d'accrochages temporaires régulièrement renouvelés ? : expositions thématiques à partir des oeuvres de la collection, expositions consacrées à des artistes présents dans la collection, mais aussi cartes blanches, projets spécifiques et commandes. La Bourse de Commerce - Pinault Collection offre dix espaces d'exposition dont le Studio, consacré aux oeuvres sonores, vidéo, et aux formes plus libres, des espaces de médiation, mais aussi un auditorium accueillant conférences, rencontres, projections, concerts et événements.
Ouverte à tous les publics et à toutes les disciplines artistiques, aux oeuvres qui font déjà l'histoire de l'art contemporain comme aux artistes les plus émergents, la Bourse de Commerce - Pinault Collection accueille les connaisseurs comme les découvreurs et les curieux. Elle leur propose de s'ouvrir à l'art et à l'histoire de l'art contemporain, quel que soit leur niveau de relation à la création ou leur expérience, quelles que soient leur expertise et leur compréhension des oeuvres.
Cycle "? Une seconde d'éternité? " La mise en lumière des affinités créatives, d'hommage ou d'influence plus ou moins explicité, est au coeur du projet de la Collection Pinault. Ces relations souvent confidentielles sont des clés structurelles décisives pour comprendre le travail des artistes L'exposition inaugurale "? Ouverture ? " avait déjà souligné ces affinités spirituelles et artistiques en exposant Peter Doig et son ancien étudiant Florian Krewer, Lili Reynaud Dewar et l'une de ses inspiratrices Martha Wilson, Luc Tuymans et Kerry James Marshall, ou encore le portrait en cire de Rudolf Stingel réalisé par Urs Fischer.