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                      Époque contemporaine XIXe - XXIe siècles
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                      Époque contemporaine XIXe - XXIe siècles
                      39,90 €

                      LES ROMANTISMES
                      ? Administrer ? Après le néo-classicisme ? Le premier romantisme ? Le romantisme européen ? Équiper et loger ? L?orientalisme ? Les révolutions du paysage ? Les premières résistances;
                      RÉVOLUTIONS ET RÉACTIONS
                      ? Éclectisme et historicisme ? Le temps des scandales ? L?impressionnisme ? Naissance de la métropole ? Après l?impressionnisme ? La réaction symboliste ? Le symbolisme international? Le rationalisme.
                      L?ÂGE DES AVANT-GARDES
                      ? Les ruptures de l?art nouveau ? Le fauvisme ? Picasso et Braque ? Cubisme, futurisme et vorticisme ? L?architecture de la 2e révolution industrielle ? La Brücke, le Blaue Reiter ? L?abstraction à Paris ? La Russie. Du néo-primitivisme au suprématisme.
                      ORDRES ET DÉSORDRES
                      ? Images mécaniques ? « Retour à l?ordre » en peinture ? ? L?esprit Dada ? L?abstraction ? Le surréalisme ? Avant-garde et tradition ? Le mouvement moderne ? La nouvelle monumentalité.
                      LA MODERNITÉ : TRIOMPHE ET CRISE
                      ? Le logement et la ville ? L?après-guerre en Europe ? L?École de New York ? D?autres images ? Le pop ? Maturité des architectures modernes ? Les années théoriques ? L?architecture et le schisme post-moderne ? Personnalisation de la vie artistique ? Éclatement des tendances.

                      Art nouveau
                      19,95 €

                      Des années 1890 jusqu'en 1910, l'Art nouveau est à l'origine d'un mouvement artistique et culturel qui connut une très grande popularité à travers toute l'Europe et aux Etats-Unis. Prenant le contre-pied des arts du XIXe siècle, il préconise le retour aux méthodes de production artisanale et le mélange des arts "nobles" (peinture, sculpture) et des arts "mineurs" (art décoratif). Les maîtres de l'Art nouveau - Van de Velde, Tiffany, Gallé, Beardsley, Horta, Klimt, Mucha entre autres -, s'inspirant de l'art japonais et des formes sinueuses et élégantes du monde végétal, représentent souvent des plantes, des fleurs ou encore des insectes et des animaux.
                      Ils utilisent également des matériaux modernes comme le fer, le béton et le verre. Le tout est extrêmement coloré. Dans ce climat d'innovation, l'Art nouveau jette les bases du design moderne.

                      ATLAS OF FURNITURE DESIGN - VITRA DESIGN MUSEUM
                      185 €

                      At 1,028 pages, featuring 1,740 objects and spanning 237 years, this authoritative volume is without doubt the ultimate book on furniture design.

                      The Atlas of Furniture Design is the most comprehensive overview of the history of furniture design ever published. The book documents 1,740 objects by 546 designers and 565 manufacturers, and features more than 2,500 images, from detailed object photographs to historical documentation such as interiors, patents, brochures and reference works in art and architecture.

                      The basis for the Atlas of Furniture Design is the furniture collection held by the Vitra Design Museum, one of the largest of its kind in the world, with more than 7,000 works. The collection is made up of pieces from key periods in design history and by the most significant designers and manufacturers of the past 200 years, including early industrial furniture in bentwood or metal, Art Nouveau and Secessionist objects, works by such protagonists of classical modernism as Le Corbusier, Gerrit Rietveld, Charlotte Perriand and Marcel Breuer, postwar figures such as Finn Juhl, Eero Saarinen and Achille Castiglioni, and postmodern and contemporary designers like Philippe Starck, Marcel Wanders and Konstantin Grcic, as well as the estates of design legends such as Charles and Ray Eames, Verner Panton, Alexander Girard, George Nelson and others.

                      Several years in the making, the Atlas of Furniture Design has employed a team of 71 authors and features in-depth essays providing sociocultural and design-historical context to the history of furniture design, as well as 551 detailed texts accompanying key objects. The book is enriched by a detailed annex containing designer biographies, bibliographies, a glossary of manufacturers and an index, along with information graphics offering a complementary visual approach to the history of furniture design. The Atlas of Furniture Design is both an encyclopedic reference tool and an indispensable resource for collectors, scholars and experts, as well as a beautifully designed object that speaks to design enthusiasts around the globe.

                      Britain can make it
                      35 €

                      This publication will be a highly visual celebration of the massively popular, but now largely forgotten, Britain Can Make It exhibition. Organised by the Council of Industrial Design, it was held in empty ground-floor galleries of the Victoria & Albert Museum, from September to December 1946. A ground-breaking, morale boosting exhibition, it showcased British design and manufacturing. Despite its short run, it boasted an incredible 1.
                      5 million visitors, and remains one of the most visited exhibitions ever held at the V&A. Long before the end of the Second World War hostilities, the government's Post War Export Trade Committee recognised the importance of promoting the country's manufacturing capabilities. Plans for an exhibition of 'National Importance' were set in place in October 1942, for an event that would illuminate the gloom of austerity, educate the public in the value of good design, and most importantly, boost much needed foreign trade.
                      Britain's need to promote, manufacturer and export its goods was urgent. The job of organising the exhibition was given to the Council of Industrial Design on behalf of the government's Board of Trade. From its early planning stages, there was a desire to create an exhibition that was full of colour, light and airy, and far removed from the browns and greens of the inter-war years. The exhibition was also intended to work as a public morale boosting exercise and it did, attracting visitors from around the country.
                      Mile-long queues constantly formed outside the V&A. Interviewed in 1984, James Gardner, the designer of the exhibition, commented on the motivation for the exhibition : 'We'd got to get British manufacturers to produce well-designed goods quickly and to cheer the British public up. They were so depressed. Give them something to look forward to. You know, this was the dream of the future, if you like'.
                      BCMI was not a trade show. Manufacturers had to put forward their products and only those deemed the best examples were chosen by specialist committees. An accompanying catalogue detailing the manufacturers of products (and significantly, wherever possible the names of the designers of each product), could be bought by visitors from one of the bookstalls dotted around the exhibition. The catalogue explained when goods would be available for the home and trade markets : 'Now', 'Soon' or 'Later'.
                      Most often they were 'Later' for the home market which led to negative comments in the press, such as : 'Britain Can't Have It', 'Britons can't buy it', and 'Britain Can't Get It'. Products representing key consumer groups, including clothing, leisure, and domestic products were displayed. These were diverse, from pottery and glass, to radios, women's and men's wear, furniture, fabrics, toys, jewellery, boilers, taps, and sporting equipment.
                      The Furnished Rooms section were room sets that sought to show how a range of people from different professional groups might live. By taking its structure loosely from the exhibition itself and from the accompanying Design '46 catalogue, Britain Can Make It will take the reader through an eclectic range of subject areas and consumer products. The book begins with a discussion of the political climate and economic motivations that led to this exhibition of 'National Importance' taking place, and an overview of the contemporary social context.
                      Additional essays will cover specific aspects of the exhibition itself, including the surrealist design of the exhibition, the art and artists involved, the naming, and the 'Design Quiz'. Most chapters will be in the form of short illustrated essays.

                      Casa Cabana /anglais - Martina Mondadori
                      98 €


                      Fondé en 2014 par Martina Mondadori Sartogo, le magazine bi-annuel Cabana est spécialisé dans le design intérieur, tirant son inspiration dans l´histoire de l´art italien tout en conservant un esprit bohème-chic. Après le succès d'un premier livre Cabana Anthology, ce second livre propose une nouvelle sélection des meilleurs portfolios et portraits de la revue.

                      Cet article est également disponible au Rupture Arts &Books, 24 rue du Vertbois, 3e arrondissement, Paris.

                      Daniel Arsham
                      New
                      Daniel Arsham
                      29 €

                      Miami artist Daniel Arsham (born 1980) toys with our notions of what to expect from various materials and media, transcending the strict boundaries between art, architecture and performance. In so doing, he explores what is natural, what is fabricated, what has come about by chance and what is planned. His gouaches, sculptures and conceptual objects often mimic effects of subsidence, erosion or melting. Arsham graduated from Cooper Union, and received the Gelman Trust Fellowship in 2003. His work has been shown at institutions such as MoMA PS1, New York, and The Museum of Contemporary Art, North Miami, Florida, among many others, and he has collaborated with the Merce Cunningham Dance Company. This book is the only comprehensive monograph of his work available. It features three interviews with the artist and many images from gallery and museum shows and performances.
                      Featured image, "Draped Figure" (2011), is reproduced from Daniel Arsham.

                      Designers et décorateurs des années 80
                      New
                      Designers et décorateurs des années 80
                      65 €

                      4e ouvrage thématique de la collection Décorateurs présentant près de 40 décorateurs des années 80, précédés d'une longue introduction de Patrick Favardin.

                      Édition bilingue (anglais-français)

                      Furniture + Architecture
                      35 €

                      Furniture and Architecture takes a unique look at the relationship between architects and furniture design. Focusing not only on classic mid-20th-century design i.e. Eames, Mies, Le Corbusier and Gropius, it also provides a unique insight into who will produce the next generation of classics by asking an international-array of established designers to give their tips for the top young architect-designers.

                      In additional it includes exclusive interviews with high-profile architects as well as with key figures in furniture manufacture and retail. A directory of specialist retailers, who sell architect-designed furniture, makes this an invaluable resource for architects and the interested public.

                      The book includes comprehensive articles and images of popular modernist architects such as Erno Goldfinger, Arne Jacobsen and Eero Saarinen. It also features interviews with architects Alvaro Siza, David Adjaye and Selfridges director Vittore Radice. Lavishly illustrated with many full-colour images. Contains a directory of specialist retailers selling architect-designed furniture

                      Gallé lamps
                      69 €

                      A comprehensive survey of the glass lamps designed by a towering figure of the Art Nouveau era
                      Although renowned for his work as a verrier, lamps did not form a significant part of Gallé's repertoire in glass until immediately prior to 1900. Indeed, only in the last few years of his life does it appear that he realised the full aesthetic potential of opalescent glass viewed by transmitted light.

                      In an Art Nouveau context, Gallé's creations reached their apogee between 1900 and his death in 1904, a brief period during which he adapted the shape of much of his glassware to its theme. Vases decorated with lilies became lily-shaped in a marriage of form and function. Fully-ripened gourds pendent on their vines glowed from within at the touch of a switch. Mushroom lamps brought the concept to full embodiment in the metamorphosis of the giant fungi into light fixtures.

                      This comprehensive volume catalogues the full range of light fixtures produced by the Gallé cristallerie, from those made during his lifetime to those manufactured for more than twenty-five years after his death. Including table, bedside, hanging and wall models, Gallé Lamps reveals the extraordinary variety of thematic shade-and-base combinations introduced by the firm: butterflies, moths, dragonflies, swallows and eagles hover, flutter, glide or swoop over flora and mountain vistas in a seemingly endless interplay of Nature's decorative motifs.

                      This volume is a companion to Gallé Furniture ISBN 9781851496624.

                      Jean-Michel Frank - Le chercheur de silence
                      24 €

                      Jean-Michel Frank ? L'auteur de la "huitième merveille du monde". C'est ainsi qu'Yves Saint Laurent qualifie sa décoration du fumoir de l'hôtel de Charles et Marie Laure de Noailles, que Frank avait imaginée au milieu des années 1920. Avec quelques passionnés, le plus grand couturier du monde a ainsi contribué à faire redécouvrir dans les années 1970 celui dont on avait oublié l'importance primordiale dans l'histoire du goût.

                      Fils de Juifs allemands installés en France avant la Première Guerre mondiale, Jean-Michel Frank fait partie de la bourgeoisie "assimilée" de la IIIe République. Elève à Janson-de-Sailly, il s'y lie d'amitié avec René Crevel, qui lui présente Drieu la Rochelle. A côté de ces jeunes écrivains en devenir, Frank choisit la décoration. Très vite, il invente son style. Un style apuré, épuré, dépouillé, renversant la lourde esthétique qui triomphait jusque-là.
                      Minimaliste avant l'heure, il traite la marqueterie de paille comme le parchemin ou le gypse d'une manière inédite ; avec Jean-Michel Frank, c'est une révolution de l'art décoratif qui se joue. Des personnalités aussi diverses que Cole Porter, François Mauriac - qui l'appelle le "Dr Frank", Elsa Schiaparelli, ou Nelson Rockefeller font appel à son talent. Ses complices ont pour nom, Francis Poulenc, Christian Bérard, Alberto Giacometti.

                      La vie de Frank est à l'image de ses créations : effacé, fantomatique, il cherche le silence comme il cherche la pureté : "il aimait l'invisible de la véritable élégance" écrira Jean Cocteau. Homosexuel dans une société où cela n'est admis que par certaines personnes, juif à une époque de montée du fascisme et de l'antisémitisme, Frank cherche un refuge dans la drogue. Paris occupé, il s'exile à New York en 1941 et s'y suicide.

                      Le forchette di Munari
                      65 €

                      RARE
                      Bruno Munari - Le Forchette di Munari - Maurizio Corraini Editore 2018
                      Author: Bruno Munari
                      Book:
                      This book includes some of Munari's drawings of his famous forks ("done one at a time and always with the right hand") inspired by the classic edition published by Muggiani in 1958.

                      Publisher:
                      Maurizio Corraini Edizioni - 2018
                      36p - Italian/English/French/German/Spanish/Japanese - 10th edition - very good condition

                      Le mobilier du XX siècle. Dictionnaire des créateurs.
                      171 €

                      De l'Art Nouveau aux sièges-sculptures, des ébénistes aux designers en passant par les ensembliers, le XXe siècle est celui de toutes les audaces dans le domaine du mobilier. Les innovations succèdent aux innovations, les nouveaux matériaux se multiplient et se perfectionnent, de nouvelles méthodes de fabrication permettent une meilleure diffusion. Avec plus de 600 noms répertoriés et 950 illustrations, le dictionnaire de Pierre Kjellberg est le miroir de ce siècle, qui a débuté à la Fin du XIXe avec l'Art Nouveau. Il ne se limite pas, bien sûr, à l'Hexagone. L'extension des moyens de communication, la multiplication des expositions et des rencontres ont provoqué un formidable brassage d'idées et de techniques. Ainsi, on ne saurait aborder le mobilier de la première moitié du XXe siècle sans mentionner des personnalités aussi importantes que les Belges Horta et Van de Velde, l'Ecossais Mackintosh, l'Autrichien Hoffmann, l'Espagnol Gaudi ; tout comme on ne saurait occulter, à partir des années cinquante, le rôle de l'Italie - la créativité de ses designers, tels Sottsass, Gatti, Branzi, Pesce ou Mario Botta, le dynamisme de ses industriels du mobilier - et, bien évidemment, celui de la Scandinavie et des Etats-Unis. Participant aux grands mouvements, quand ils n'en sont pas les instigateurs, de Gallé à Wilmotte, de Ruhlmann à Mourgue, sans oublier Le Corbusier, dont l'influence est encore notable, les Français restent très présents. Pierre Kjellberg couvre avec clarté la totalité du siècle : beaucoup de jeunes créateurs sont présentés pour la première fois au lecteur. A la suite des ''livres blancs'' consacrés aux deux siècles précédents, dans la même collection et avec la même rigueur, Le Mobilier du XXe siècle est le premier ouvrage de référence sur un domaine à la fois ''quotidien'' et pourtant mal connu du public.

                      Le Mouvement Arts & Crafts
                      20 €

                      Le mouvement arts & crafts exerça une influence prépondérante sur les arts décoratifs britanniques, américains et européens de la fin du XIXe siècle, dans des domaines aussi divers que l'architecture, le mobilier, la céramique, la ferronnerie, le textile ou l'édition.

                      Si ce mouvement regroupa diverses formes d'expression, les principaux architectes, artistes et artisans qui l'animèrent - tels que William Morris et EdwIn Lutyens en Grande-Bretagne, Frank Lloyd Wright et Gustav Stickley aux États-Unis, Josef Hoffmann en Autriche et Eliel Saarinen en Finlande - se firent tous les défenseurs d'une conception profondément morale de la création et de l'emploi de matériaux naturels en réaction au développement de l'ère industrielle.

                      Leurs oeuvres, tant dans le domaine architectural que décoratif, ont participé à la définition actuelle du " design ".

                      Les décorateurs années 60-70
                      65 €

                      Dans l'histoire de la décoration et du mobilier, les années 60 et 70 sont indissociables. Elles marquent un tournant radical dans un monde jusqu'alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est à la fois d'inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Les genres se mélangent dans un désir effréné de vivre en symbiose avec leur temps.
                      Les progrès de la technologie accréditent la conviction d'une liberté conquérante de l'individu et suscitent des désirs inédits d'une nouvelle manière d'habiter, fût-ce dans des cellules de science-fiction. Les formes s'arrondissent, les sièges deviennent des tapis-sculptures qui permettent de se lover dans des univers chaleureux, ludiques et anticonformistes. Les couleurs et les motifs décoratifs épousent l'éclat et les délires du Pop' Art et du psychédélisme.
                      L'espace d'habitation se transforme en rêve éveillé où se mêlent un mobilier luxueux dans des matériaux inédits et des objets surprenants de toutes origines, associés, fait nouveau, à des meubles anciens. La fin des années 70 marque l'avènement d'une époque où la beauté et l'élégance classique cèdent le pas à une multitude d'expressions qui échappent à tout classement et à toute hiérarchie. L'heure du post-modernisme a sonné.
                      Composé d'une longue introduction, qui en donne une vision synoptique, et de trente-cinq monographies, qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique.

                      Louis Vuitton travel book - Easter Island
                      45 €

                      Publié par Louis Vuitton,

                      2013

                      168 pages, couverture rigide

                      Mid-century modern design : A complete sourcebook - Dominic Bradbury
                      55 €

                      This definitive survey of one of the most popular, collectable and dynamic periods of international design offers a rich overview of all aspects of the subject. Mid-century furniture, lighting, glass, ceramics, textiles, product design, industrial design, graphics and posters are covered, as well as architecture and interior design, exemplifying post-war optimism and energy, use of innovative and affordable materials and forms of mass manufacture, and newly developed precepts of ‘good design’.
                      Nearly 100 major and influential creators of the mid-century period are highlighted, whether based in Scandinavia, Western Europe, America, Japan, Brazil or Australia. They include icons such as Saul Bass, Robin Day, Charles and Ray Eames, Marimekko, Isamu Noguchi, Dieter Rams, Lucie Rie and Paolo Venini, as well as architects Alvar Aalto, Philip Johnson, Richard Neutra and Oscar Niemeyer. An additional illustrated dictionary features hundreds more key mid-century designers and manufacturers as well as important organizations, schools and movements.
                      The book showcases classic designs as well as little-seen rarities, and unusual objets d’art as well as mass-produced items. Complete with thirteen specially commissioned essays by renowned experts and over 1,000 mainly colour illustrations, it is a must-have acquisition for any design aficionado, collector or reader seeking inspiration for their home.

                      Cet article est également disponible au Rupture Arts &Books, 24 rue du Vertbois, 3e arrondissement, Paris.

                      Panya Routes
                      15 €

                      Independent art spaces on the African continent have flourished, particularly over the past twenty years in tandem with a youthful population in fast-urbanising cities. This book takes the reader on a journey to discover their DIY-DIT working principles: horizontality, second chance, elasticity, performativity and convergence. The itinerary begins at an empty plinth in Cape Town to closely track the performative and artistic afterlife of a colonialist statue whose toppling turned public space into common space. Next stop: Nairobi, Accra, Cairo, Addis Ababa and Dar es Salaam — all rapidly changing cities of flux. The author visits five non-profit platforms that build narratives in public space by stitching together art and everyday life. They create their own panya routes, or backroad infrastructures of divergent kinds, in response to prevailing uncertainty. Working largely in collaborative economies and solidarity networks through refusal and reimagination, these “off-spaces” demonstrate institution building as artistic practice. By thinking and dreaming beyond the status quo, they fast-forward to creatively inhabit city futures that have already arrived in the global South. The key platforms featured in the book’s research are: The GoDown Arts Centre, ANO Institute of Arts and Knowledge, Townhouse Gallery, Zoma Museum and Nafasi Art Space.

                      Edited by Mika Hayashi Ebbesen
                      Graphic Desgin by Marcia Novais

                      Patrick Elie Naggar - Histoires de formes
                      45 €

                      Artiste, designer et architecte, il nous fait voyager entre passé et présent, il révèle la signification à la fois intrinsèque et poétique des objets. Ses créations doit être nourrie de sens, d'un dialogue des plus allusifs entre art et science, artistiques et mythologiques. Artiste, designer et architecte, Patrick Naggar depuis plus de trente ans nous fait voyager entre passé et présent. Voyages tant historiques que philosophiques au cours desquels, il révèle la signification à la fois intrinsèque et poétique des objets.
                      Car, chacune de ses créations doit être nourrie de sens. Son oeuvre crée ainsi un dialogue des plus allusifs entre art et science, références historiques, artistiques et mythologiques. La curiosité de Patrick Naggar pour les civilisations antiques s'explique par sa volonté d'enrichir la (sa) mémoire, tout en révélant les richesses du passé, modérant le passage du temps, et in finedans le but d'y inscrire sa trace propre.
                      Volonté qui irrigue les différentes formes d'art du créateur : peinture, design, architecture d'intérieur etc... Cette première monographie consacrée à Patrick Naggar découvre ses créations : mobilier, lampes, miroirs, fauteuils, chaises ou encore cabinets, peintures et autres intérieurs, qui toutes nous révèlent en un parfait syncrétisme artistique et culturel, la fascination de l'artiste pour la mémoire, de même que ses inspirations les plus intimes.

                      La beauté, l'originalité, l'innovation de ses créations résident aussi dans la qualité des matériaux employés, ainsi que dans les pratiques d'un savoir-faire ancestral. Auxquelles s'ajoute l'harmonie des formes et des lignes, définissant ainsi un art de la complétude. Artiste cultivé s'il en est, Patrick Naggar séduit par la simplicité de son propos, la clarté de sa démarche artistique, de son approche très personnelle des divers champs d'investigation qui traversent son oeuvre, telles la cosmogonie, la nature ou les sciences, faisant surgir des univers inattendus oscillant entre fiction et réalité.

                      Politiques sexuelles du goût. As long as It's Pink - Penny Sparke
                      35 €

                      Traduit pour la première fois en français, As Long as it's pink est un texte marqueur de la structuration du champ de l'histoire du design écrit par l'historienne du design anglosaxone Penny Sparke. Il est important car il peut être vu comme une forme de territorialisation d'un aspect de l'histoire des femmes. Celles-ci, conditionnées par la construction sociale, font dans l'ouvrage l'expérience du design (espaces et objets) à travers, notamment, leur goût personnel. Penny Sparke qui dirige alors le V&A/RCA History of Design Postgraduate Programme du Royal College of Art de Londres, opère en posant des questions telles que : le goût de la femme est-il vraiment différent de celui de l'homme ? Qui dit que c'est ainsi ? Pourquoi est-ce important ?

                      Cet article est également disponible au Rupture Arts &Books, 24 rue du Vertbois, 3e arrondissement, Paris.

                      Raddar Number 1 Fonction
                      33 €

                      « Hier après-midi, on a pas mal parlé de, vous savez, "la fonction, c'est OK, mais...". Il me semble qu'il n'y a pas si longtemps, on admettait l'idée de fonction comme quelque chose de respectable, et d'une certaine manière, je soupçonne qu'il est un peu trop tôt pour se mettre à nier son existence. »

                      « Yesterday afternoon there was quite a bit said about, you know, "function is all right but..." It seems to me, not so long ago, that function was admitted to be respectable, and in a way, I suspect that it's a little too soon to start "butting" it out of its existence. »

                      Edition bilingue français-anglais

                      Regards sur les objets de dévotion populaire
                      25 €

                      Les conservateurs des Antiquités et Objets d'art sont chargés de recenser, d'étudier et de protéger, au titre des Monuments historiques, le patrimoine mobilier français conservé in situ (églises, chapelles, temples, mairies, châteaux...). Une fois par an, des journées d'étude rassemblent les conservateurs sur une thématique. Cette année, le thème choisi a permis de réfléchir au devenir des objets de dévotion populaire qui sont, à ce jour encore, peu pris en compte car souvent éloignés des courants de l'histoire de l'art.
                      La plupart de ces objets sont souvent spécifiques à une pratique religieuse locale (objets de procession, objets de confrérie...) et, du fait de la baisse de la pratique, tombés en désuétude.

                      Quatre chapitres permettent d'aborder plusieurs aspects de la thématique. D?abord, il s'agit d'inscrire ces objets dans l'Histoire, du Moyen Âge à nos jours, en interrogeant la position de l'Église catholique à travers les âges.
                      En effet, parfois méfiante face aux pratiques populaires, par crainte de l'idolâtrie, ou au contraire incitant les fidèles aux processions ranimant la ferveur collective, l'Église a régulièrement modifié son point de vue. Pourtant, dès les premiers siècles, de nombreux objets jalonnent ces échanges avec l'au-delà, les ex-voto témoignant de la démarche spirituelle des chrétiens suppliant un saint de les guérir.
                      Ensuite, les pratiques et rites locaux sont abordés et illustrés d'exemples nationaux.

                      Des ethnologues portent également leur regard spécifique sur les pratiques populaires, complétant parfois celui des historiens de l'art. Suit un volet évoquant la fragilité intrinsèque de ces objets. Fabriqués en matériaux fragiles et composites (cire, papier...) par le peuple ou dans quelques congrégations religieuses, ils n'ont jamais intéressé les historiens de l'art ou les conservateurs, et ils sont longtemps restés non inventoriés.

                      La question des techniques de fabrication est donc centrale et, avec elle, les difficultés de conservation, voire de restauration, de ces objets. C'est pourquoi des exemples de restauration complexes sont présentés dans l'ouvrage. Enfin, la réflexion porte sur les critères de protection de ces objets, dont le danger de disparition s'accélère au fur et à mesure de la désertification des édifices religieux.
                      Que doit faire le conservateur ? Laisser périr une oeuvre fragile, de surcroît sans valeur marchande ? Comment sélectionner les oeuvres qui méritent de durer, d?être transmises aux générations futures en témoignage des pratiques religieuses populaires ?

                      Le cahier départemental est consacré au département d'accueil des Journées d?études, la Lozère, à travers un parcours reliant Mende et sa cathédrale, les gorges du Tarn et ses édifices troglodytiques, puis l'ouest du département pour découvrir la chapelle médiévale Saint-Frézal, le couvent des Ursulines du Malzieu-Ville, les objets des Pénitents blancs de Saint-Chély-d'Apcher et le château de Saint-Alban-sur-Limagnole.

                      Sottsass - Poltronova 1958-1974
                      45 €

                      1958-1974 marquent une période d'active collaboration entre Sottsass et Poltro-nova. C'est dans un contexte politique et social troublé que l'architecte met en place le vocabulaire formel qui va faire sa renommée. Ses créations sont mises à l'honneur dans cet ouvrage qui présente également, à travers une analyse du travail de l'architecte italien, des archives de l'époque, des croquis annotés et des photographies personnelles.

                      The Green Imperative
                      18,50 €


                      Whether it's horror at the plastic littering the world's beaches or despair at the melting polar ice caps, the world is gradually waking up to the impending climate disaster. In The Green Imperative, Papanek argues for design that addresses these issues head-on. This means using materials that can be recycled and reused, no more pointless packaging, thinking about how products make us feel and engage all our senses, putting nature at the heart of design, working at a smaller scale, rejecting aesthetics for their own sake, and thinking before we buy.
                      First published at the end of the twentieth century, this book offered a plethora of honest advice, clear examples, and withering critiques, laying out the flaws of and opportunities for the design world at that time. A quarter of a century on, Papanek's lucid prose has lost none of its verve, and the problems he highlights have only become more urgent, giving today's reader both a fascinating historical perspective on the issues at hand and a blueprint for how they might be solved.

                      Cet article est également disponible au Rupture Arts &Books, 24 rue du Vertbois, 3e arrondissement, Paris.

                      The New Naturalists Inside the Homes of Creative Collectors /anglais - Claire Bingham
                      36 €


                      From the nineteenth century's cabinets of curiosity to today's interest in sustainable de´cor, obsessive collectors of natural objects have long filled their homes with their finds--everything from fossils and feathers to seeds and dried flowers. This book offers a glimpse inside twenty homes of the most interesting and creative contemporary collectors, revealing the stories behind their collections and how they celebrate their love of nature in their everyday spaces.
                      People have always collected mementos from the natural world: amateur and professional naturalists of the eighteenth and nineteenth centuries, foragers, beachcombers, and taxidermists today. A new generation of naturalists are using their collections to craft creative careers and decorate their homes with their finds. From a German manor filled with antique taxidermy to the Paris apartment of a sculptor working with feathers and an Italian beachside retreat that showcases foraged shells and pebbles, this book provides a wealth of inspiration for celebrating the beauty of the world around us. Full of practical tips on everything from curating a shelf of objects to intricately decorating walls and surfaces with ecological finds, this volume offers plenty of ideas readers can apply in their own homes. With our ever-increasing interest in finding new ways to reconnect with nature and sustainability, this is inspirational reading for all those who want to bring the outdoors in.

                      Cet article est également disponible au Rupture Arts &Books, 24 rue du Vertbois, 3e arrondissement, Paris.