April 25, 2024
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Créateur prolifique, Gio Ponti (1891-1979) a été un acteur majeur de l'architecture italienne et a ouvert les perspectives d'un nouvel art de vivre.
Ce livre couvre l'ensemble de sa longue carrière, des années 1920 à la fin des années 1970, en Italie comme à l'étranger. Architecture privée, publique et religieuse, mobilier, luminaire, céramique, verre, orfèvrerie, textiles, tous les domaines où il a exercé son talent sont abordés, ainsi que son rôle incontournable de passeur au sein des revues Domus et Lo Stile. Cet ouvrage, le premier livre de référence sur Gio Ponti en français, rend hommage à l'univers créatif de cette personnalité mythique de la scène moderne.
Ce catalogue d'exposition propose une immersion dans l'univers de Giuseppe Penone. Son oeuvre phare, Sève et pensée, est présentée pour la première fois : une installation monumentale réalisée à partir d'un tronc d'acacia de trente mètres de long, fruit de 50 ans de réflexions et de création autour de sujets chers à l'artiste : la nature, la mémoire et le livre. Né en 1947 à Garessio en Italie, Penone est associé au mouvement de l'arte povera.
Son oeuvre développe depuis ses débuts une réflexion sur la relation entre nature et culture. L'exposition conçue par la BnF et le catalogue qui l'accompagne restituent la richesse de ses explorations conceptuelles - notamment autour de la mémoire, l'empreinte et le livre - comme la diversité des techniques utilisées : sculpture, installations, peinture, poésie... Sève et pensée Oeuvre inédite et magistrale, Sève et pensée est une spectaculaire installation formée des deux segments du frottage, sur fine toile de lin, du tronc d'un acacia de trente mètres de long. Inscrit de part et d'autre du frottage se déploie un texte poétique, véritable " flux de conscience " de l'artiste, réflexions sur l'art, la nature, le temps, la mémoire, le cycle de la vie et de la mort.
À partir de Sève et pensée se dévoile un réseau de filiations avec des oeuvres chronologiquement éloignées de Giuseppe Penone, des Alberi libro (Arbres-livre), poutres écorcées et creusées jusqu'à la révélation de l'arbre originel, à la série inédite Leaves of grass, grandes peintures qui seraient comme la " fossilisation " des premières empreintes laissées sur la couverture du livre par l'auteur et les lecteurs successifs.
L'exposition présentera également au public la formidable donation de gravures faite par l'artiste à la BnF. Ces oeuvres récentes, réalisées pour certaines pendant le confinement du printemps 2020, se présentent comme des notes intimes qui accompagnent le travail de création. Empreinte et lecture tactile L'historien de l'art Francesco Guzzetti explore dans son essai la notion d'identité dans l'oeuvre de Penone à travers le motif de l'empreinte, qu'elle soit humaine, végétale ou écrite.
Le livre, en tant qu'objet est " empreinte " : ses pages portent celles des mains qui les ont écrites, celles des lecteurs qui les ont touchées, parcourues.
Spanning six centuries of global design, this far-reaching survey is the first to offer an account of the vast history of decorative arts and design produced in Africa, the Americas, Asia, Europe, the Indian subcontinent, and the Islamic world, from 1400 to the present.
Meticulously documented and lavishly illustrated, the volume covers interiors, furniture, textiles and dress, glass, graphics, metalwork, ceramics, exhibitions, product design, landscape and garden design, and theater and film design.
Divided into four chronological sections, each of which is subdivided geographically, the authors elucidate the evolution of style, form, materials, and techniques, and address vital issues such as gender, race, patronage, cultural appropriation, continuity versus innovation, and high versus low culture.
Leading authorities in design history and decorative arts studies present hundreds of objects in their contemporary contexts, demonstrating the overwhelming extent to which the applied arts have enriched customs, ceremony, and daily life worldwide over the past six hundred years. This ambitious, landmark publication is essential reading, contributing a definitive classic to the existing scholarship on design, decorative arts, and material culture, while also introducing these subjects to new readers in a comprehensive, erudite book with widespread appeal.
Catalogue de l'exposition du Centre des Arts (Janv.-Mars 2006). L'objet entre art et design dans les collections du FRAC Ile-de-France : 14 artistes contemporains représentés.
L'été de la forêt de François Stahly est un vaste ensemble sculptural composé d'une cinquantaine de totems de bois sculpté de différentes tailles, accompagné de "morceaux choisis" en provenance de la succession Stahly présentés dans les vastes volumes d'un ancien atelier dépourvu de toiture préfigurant la future galerie d'exposition de la Friche de l'Escalette.
''J'aimerais penser que si j'ai vraiment mérité cette médaille, c'est, au moins par moitié, dû à mes efforts pour me fier à mon oeil. En un sens, je considère la qualité esthétique comme l'une des plus abstraites, l'une des plus intimes, bien qu'elle soit souvent alourdie par le luxe, les règlements de la tradition, les excès de la richesse, les slogans à la mode, les principes moralisateurs, la magnificence ou quelquefois même le manque d'éclat. L'esthétique devrait être assez transcendante pour ne pouvoir être camouflée.''
Marcel Breuer, Discours de réception de la médaille d'or de l'American Institute of Architects, juin 1968.
« Pièces-Meublés » est le titre d'une exposition en deux volets (1995 et 2016) signée par le critique d'art new yorkais Bob Nickas à l'invitation de la Galerie Patrick Seguin.
Le concept de l'exposition consistait à mettre en parallèle art contemporain et créations phares du design du XXe siècle : en invitant une vingtaine d'artistes à choisir un meuble pour le faire dialoguer avec leur travail ou pour l'intégrer en créant une oeuvre nouvelle, « Pièces-Meublés » mettait en évidence la pertinence des liens et des résonances entre créations et créateurs, au-delà des époques et des générations.
Ces deux expositions soulignaient également la radicalité des démarches de bon nombre de plasticiens contemporains dont les pratiques interrogent les usages, le sens ou le contenu, voire la notion de "décoratif".
Si en 1995, il s'agissait uniquement d'éléments de mobilier (Jean Prouvé, Charlotte Perriand) en 2016 l'exposition était centrée autour de Jean Prouvé dont une maison démontable 6×6 dite « Maison des Sinistrés de Lorraine » était remontée dans la galerie.
Parmi les artistes invités, dont certains ont participé aux deux éditions, figuraient : John M Armleder, Richard Artschwager, Bertrand Lavier, Louise Lawler, Adam McEwen, Albert Oehlen, Haim Steinbach, Rudolf Stingel, Franz West, ...
Pour les artistes participants, le nom de Jean Prouvé évoque le lien visionnaire et unique entre art et industrie. Leurs pièces présentées en vis-à-vis des créations de Jean Prouvé mettaient en lumière la singularité d'une approche esthétique sans concession liée à la fonctionnalité d'un meuble ou d'une architecture.
Cet ouvrage de plus de 200 pages illustre les deux volets de l'exposition réalisés à vingt ans d'intervalle. Introduit par une préface de Bob Nickas, ce catalogue articulé en deux chapitres - l'un consacré à l'exposition de 1995, le second à celle de 2016 - est abondamment illustré de photographies in situ ainsi que d'images d'archives pour les éléments de mobilier et d'architecture.
Edition bilingue français-anglais
Pièces-Meublés is the title of a two-part exhibition, held in 1995 and 2016, curated by New York art critic Bob Nickas at the invitation of Galerie Patrick Seguin.
The 1995 exhibition compared contemporary art with 20th-century design, inviting around 20 artists to choose a piece of furniture to interact with their work or to integrate it by creating a new work.
Le portfolio, aussi appelé carton, atlas, ou recueil de planches, sous forme de feuilles libres introduites par quelques pages de texte et maintenues en place par des rabats ou des cordons, a longtemps eu les faveurs des grands créateurs. La publication des portfolios les plus exceptionnels du début du XXe siècle permet de retracer tant l'histoire de l'édition que celle de l'architecture, de l'UAM, des arts décoratifs, de la photographie et du graphisme.
Paul Poiret, Lucien Vogel, Bernard Boutet de Monvel, Charles Martin, Rose Adler, Germaine Krull, Jan et Joël Martel, Albert Morancé, Charles Moreau, Albert Lévy, Rob Mallet-Stevens, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Charlotte Perriand, Pierre Chareau, Francis Jourdain, Pierre Legrain, Annie et Jean Dalsace, Charles de Noailles..., les plus illustres acteurs des mouvements moderne et Art déco participent au renouveau de ces recueils essentiellement conçus par des artistes.
Le présent ouvrage, inédit par son sujet, établit des ponts entre les divers domaines de la création et fait revivre un moment unique de l'histoire de l'art au XXe siècle.
American artist Peter Shire is a native and denizen of Echo Park, a neighborhood in East LA, where a predominantly Latin American population mingles with activists and intellectuals.
Long associated with the Memphis Group founded by Ettore Sottsass in Milan in 1981, he is the only American member of this iconic design collective. Shire's work includes public sculptures in Los Angeles and other California cities, such as a memorial sculpture in LA's Elysian Park.
He also worked on the design team for the 1984 Summer Olympics.
Shire ignores hierarchies and constantly blurs the
line between design, architecture, and contemporary art, which is possibly an influence of his parents - genuine American communists, artists, and politically engaged intellectuals from the 1930s during a time when the American identity was still under con-struction. Shire's object-sculptures and sculpture-ob-jects transcend established boundaries, forming a col-orful, playful ecosystem of his own and combining many circuits of artistic creation, whether a sculpture, a mug, a piece of furniture, a house, or a studio, including his own in Echo Park.
He brought his Los Angeles free spirit to the Purple Residence in Marseille, producing a series of ceramic artworks, like boats, mugs, and lamps, as well as paintings and wood furniture inspired by Le Corbusier's Cité Radieuse, distorting the emblematic Corbusian monolith in Shire's own hallucinatory hybrids, borrowing equally from Cubism, Futurism, and the aesthetics of cartoons.
This postmodern gesture - "after modern," as he likes to say - is iconoclastic and fits both Los Angeles and Mar-seille. These topographically similar cities embody a matrix in which high and low culture emerge through their own history as thriving coastal metropolises.
A SPECIAL EDITION FOR PURPLE #40
THE REVOLUTIONS ISSUE
F/W 2023-24
PUBLISHER OLIVIER ZAHM
DESIGNER GIANNI OPRANDI
EDITORS OLIVIER ZAHM, ALEPH MOLINARI COPY EDITORS JEFF RIAN, KATYA FOREMAN, REINE MARIE MELVIN, KATE MOSES PETER SHIRE INTERVIEW BY EMMANUELLE LUCIANI
ALL ARTWORK BY PETER SHIRE, PRODUCED AT THE PURPLE RESIDENCE
ALL LOOKS AND ACCESSORIES FROM THE PUCCI SUPERNOVA
F/W 2023-24 COLLECTION
PHOTOGRAPHY BY OLIVIER ZAHM
STYLE SVITA SOBOL
TALENT LILI SUMNER
HAIR MANON MARTIN
MAKE-UP GARANCE MURRU
ALL ARTWORK COPYRIGHT PETER SHIRE, COURTESY OF THE ARTIST
THE MORAL RIGHTS OF THE AUTHOR HAVE BEEN ASSERTED - ALL RIGHTS RESERVED
PUBLISHED BY PURPLE INSTITUTE, SEPTEMBER 2023
20 RUE THERESE 75001 PARIS
PRINTED IN BELGIUM BY SNEL GRAFICS
ISSN: 1766-8832
with contributions by Susanne Mierzwiak, Moritz Scheper and a conversation between Lucie Sotty and Robert Brambora.
Graphic design: Paul Bowler
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Robert Brambora (born in 1984, Germany) lives and works in Berlin, Germany. He completed his studies in the class of Rebecca Warren at the Kunstakademie Düsseldorf in 2015.
The work of the artist takes as its subject the current neoliberal system and its impact on the individual, as measured under Marxist analysis. It particularly approaches issues such as working conditions, school dropouts, stress-related illnesses, anxiety and loneliness, the housing crisis, and overpopulation as so many causes leading to alienation in our contemporary societies. Also at the heart of his questioning is the analysis of a sense of loss of points of reference, of a form of time distortion generated by these stress conditions. The artist seeks to extract the waking hallucination – the onirism – from these crisis situations.
Robert Brambora practice primarily develops itself in two ways: he creates on the one hand paintings and ceramics, in the realm of traditional techniques and media, and on the other hand large format panels upon which texts are laser-engraved. The most recent text works address issues such as the real estate market crisis and financial speculation. These texts are based on political journals, excerpts of conversations and comments from internet forums, as well as personal notes. The artist draws equally from scientific articles from medical journals, evoking afflictions related to anxiety, as well as theoretical essays on the economic competition faced by individuals. These extracts are then reworked, superimposed on each other to create a three-dimensional pictorial space, which sometimes evokes the outlines of architecture.
Rupture is an international network of cultural venues. A window on the world turning its gaze towards the East, following the silk road, the path of cultural and philosophical exchanges, yesterday based in Paris, today in Marseille, tomorrow in Venice and elsewhere.
Rupture & Imbernon is a bookshop on the move, providing a precise and valuable selection. Always specialising in the work of Le Corbusier, such as architecture, urbanism and the arts of the 20th and 21st centuries, it also mixes new and rediscovered books, fine books and fine art in a singular, unexpected and refined setting.
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